“Il David che guarda la luna”

Kobra, artista callejero entre los más aclamados en el escenario mundial, ha realizado un mural de 12 metros de altura y 20 de ancho. A unos 850 metros sobre el nivel del mar en la cima de la cumbre se encuentra la histórica cantera de Cima di Gioia que marca el límite entre la ciudad de #Carrara y la de Massa, mirando hacia la primera domina el armonioso pueblo de Colonnata desde arriba, girándola hacia Massa se puede ver la tranquila de Casette, si giras hacia el suroeste, puedes ver el mar.

Una de las más altas paredes de mármol de la cantera Gualtiero Corsi, cerca de Carrara. La imagen elegida para este lugar inusual viene de una cita: el rostro del David de Michelangelo, una obra tallada en el mármol extraído de esta cantera, y rehecho a la manera de Kobra, con los colores brillantes e inconfundibles que combina en geometrías caleidoscópicas.

Y así, de repente, en un muro alto e imponente, apareció el icono más emblemático de todo el Renacimiento: un gigantesco retrato de David, que no se “quita” con un cincel, sino que se pinta con aerógrafo y pinceladas.

Un regreso a casa para ese símbolo de perfección creativa, que siempre ha faltado por estos lares, un homenaje se diría, pero también mucho más. Porque si es cierto que alguien ya había pensado en llevar a David de vuelta a los lugares donde se extraía el mármol, este mural es un reclamo: es arte callejero, la última tendencia nacida en los suburbios, arte ilegal, arte invisible, arte espontáneo, floreció entre los escombros. se ha convertido en uno de los lenguajes más poderosos en disputa “desde abajo”, para subir a la cima y finalmente pedir sentarse entre sus hermanas mayores. 

Al mismo tiempo, traer al David aquí entre estos cráteres lunares de los que deriva su origen y sustancia, adquiere un significado festivo: de Carrara y los Alpes Apuanos como cuna del pensamiento creativo y de los canteros como los únicos demiurgos que durante milenios han hecho posible transformar el sueño en realidad como arte tangible.

Mármol, color, escultura, pintura se tocan y se abrazan en un lugar inolvidable, demostrando que el verdadero arte no necesita ferias y academias. Un balde de color y libertad expresiva son suficientes para escucharlo respirar.

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Los velos de Corradini

Antonio Corradini nació en Venecia o en Padua hacia 1688. Siendo adolescente entró como aprendiz en el taller del escultor Antonio Tarsia, con cuya hija se casó años después. (En esa época casarse con la hija del maestro era bastante común entre los alumnos más atentos.) Entre 1716 y 1717 trabajó para Pedro el Grande en San Petersburgo y luego visitó las ciudades de Rovigo, Dresde y Udine donde dejó muchas de sus obras.

La especialidad de Corradini era la mujer velada, o sea la mujer que está al mismo tiempo vestida y desnuda. Su piel no se ofrece accesible al tacto sino a la vista. El mármol se trabaja obsesivamente para que reproduzca los ligeros pliegues de la tela que la cubren. Esa mediación es sensual, metafórica, prohibitiva. Y se trata de una prohibición doble. La piel aparece separada del mundo por un velo, pero el cuerpo, hermoso, también es frío, artificial, una representación gélida. Lo que en la vida se puede descorrer, en la escultura queda fijo para siempre, aunque parezca que el mínimo toque alcance para modificarlo. Más allá de la técnica perfecta, de la mímesis, del virtuosismo innegable de Corradini, encontramos en esas obras una reflexión barroca. 

El doble velo, el velo copiado y el mármol en lugar de la piel, celebran otra imposibilidad, la de la relación con el otro. Vemos la forma de la mujer, entendemos sus hermosos senos, su vientre, sus caderas, sus formas y la deseamos pero ¿cuánto dura esa juventud, ese deseo? ¿Cuánto podemos prolongar nuestras caricias? Nuestros frágiles y perecederos cuerpos, parece decir Corradini, no nos pertenecen, siempre son de otro, del tiempo, de la muerte.

En 1729 o 1730, Corradini se instaló en Viena, capital del Imperio Austríaco. Los Habsburgo lo nombraron escultor de la corte en 1733 y el emperador Carlos VI le encargó el monumento al Arca de la Alianza, en la ciudad de Györ. Más tarde en Viena diseñó y supervisó la construcción del teatro Hetztheater.En 1743, se trasladó a Roma. En 1744, a Nápoles. Raimondo di Sangro, príncipe de Sansevero, le pidió que decorara con sus obras la capilla de su familia. Corradini trabajo mucho. Para las estatuas, pedestales, altares y bajorrelieves que diseñó llegó a realizar treinta y seis modelos en arcilla. 

En 1750, logró terminar el Monumento a Giovanni Francesco di Sangro y el Monumento a Paolo di Sangro. De 1752 data su obra más conocida y representativa y quizás el punto más alto de su técnica. 

La Pudicizia, que nosotros traducimos La modestia, aunque también podría ser El pudor, un monumento funerario dedicado a Cecilia Gaetani dell’Aquila de Aragón, madre de Raimondo. 

La modestia es una muchacha velada, sana, fértil, incluso voluptuosa, de la cual resalta su torso, su pecho y su cara de rasgos finos y armonioso. La escena del escultor admirando su obra terminada en un taller vacío, él, su creador, y ella, su obra, ¿no transmite una satisfacción erótica?

Ese mismo año, cuando tuvo que encarar el Cristo velado, Corradini murió. Fue enterrado en la iglesia de Santa Maria della Rotonda. La que debía ser su obra cumbre, el máximo exponente de su precisa técnica que transformaba la piedra en una estática y ligera tela translúcida, fue finalizada por uno de sus colaboradores. Hoy consideramos a Giuseppe Sanmartino (1720─1793), en ese momento de apenas treinta y dos años, el autor del Cristo velado de Sansevero. El historiador y poeta Giuliano Capecelatro cuenta esta historia en Un sole nel labirinto, storia e leggenda di Raimondo di Sangro, Principe di Sansevero, publicado en el 2000. ¿Corradini murió por qué sus manos pecaminosas no podían esculpir ese Cristo perfecto? Sin embargo, la leyenda es otra.El príncipe Raimondo di Sangro se había ganado fama como científico y alquimista y por mucho tiempo se rumoreó que había descubierto un método de calsificación que permitía transformar el paño en mármol. Así Sanmartino solo habría tenido que esculpir el Cristo sobre el cual se había colocado una ligera tela tratada con ese proceso químico. ¿Cómo, si no, lograr ese efecto, esa textura? Sin embargo, un análisis no tan exhaustivo de la escultura deja en claro que se trata de una única pieza de mármol trabajada con arte y talento.

Por otra parte, se conserva la correspondencia del príncipe y en una carta fechada el 16 de diciembre de 1752 se lee: «(…) y pagaréis en mi nombre los cincuenta ducados citados anteriormente al Magnífico Giuseppe Sanmartino por la estatua de Nuestro Señor muerto, cubierto de un velo igualmente en mármol». La carta se conserva en el Archivo Histórico del Banco de Nápoles y lleva firma real.

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María Lionza, Guadiana de la naturaleza

La historia de esa divinidad indígena, guardiana de la naturaleza del folklore venezolano. Según una versión de la tradición, María Lionza -de nombre originario Yara- fue la hija del cacique Nirgua de la etnia Nívar. Un chamán había vaticinado que su nacimiento traería desgracia a su tribu. Para evitarlo, debían sacrificarla entregándola al Dueño de las Aguas, una anaconda que dormía en el fondo de uno de los pozos de la montaña de Sorte. 

Cuando nació la bebé, blanca y de ojos verdes, el cacique la llamó Yara y la escondió de su destino en una cueva de la montaña con guardias para protegerla. Pero la niña se hizo mujer y su curiosidad la empujó a escaparse de su protección, para encontrar el camino hacia el pozo de la anaconda. Enamorado de su belleza, el Dueño de las Aguas se la llevó al fondo. Cuando el cacique intentó separarlos, la anaconda explotó, inundando todas las tierras de la tribu. Desde entonces, Yara se convirtió en la guardiana de la naturaleza.

El sincretismo entre las creencias nativas y la religión católica que trajo la conquista española convirtió a Yara en Nuestra Señora María de la Onza del Prado de Talavera de Nivae. Eventualmente, la tradición acortó su nombre a María Lionza.

El escultor Alejandro Colina la inmortalizó para el mundo como una mujer desnuda de musculatura atlética, sobre una danta (tapir macho, adorado por tribus indígenas), y con las manos extendidas en las que sostiene un hueso de pelvis femenina (símbolo de la fertilidad) en sus pies la danta aplasta a un unas serpientes, símbolos de envidia y egoísmo.

Esta escultura se realizó durante el gobierno de Marcos Pérez Jiménez. Está en la Autopista del Este, justo al lado de la Universidad Central de Venezuela.

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!llegó el Carnaval!

¡Llegó el Carnaval!. Existen diferentes teorías de su origen. Algunos historiadores indican que nació hace más de 5.000 años en el Antiguo Egipto, pero la teoría más aceptada de todas es la que sitúa el origen del Carnaval en las Saturnales del Imperio Romano.

Las Saturnales eran unas festividades romanas en honor al Saturno que se celebraban a mediados del mes de diciembre. El acto principal eran una serie de sacrificios en el Foro Romano y un gran banquete público. Los festejos duraban siete días. En las Saturnales los romanos decoraban sus casas con velas y plantas para dar la bienvenida a la luz. Además, los familiares y amigos tenían como costumbre hacerse regalos unos a otros.

Durante estas fiestas los romanos cometían todo tipo de excesos, y la comida y la bebida eran abundantes. Eran una especie de Carnaval y Navidad al mismo tiempo. Fue el Imperio Romano quien expandió esta costumbre por toda Europa.

Sin embargo, cuando el Imperio Romano llegó a su fin, la Iglesia Católico adoptó muchas de sus celebraciones paganas y las reconvirtió para encuadrarlas en el calendario litúrgica. La Cuaresma era un periodo de ayuno y abstinencia para los fieles, en el que no podían comer carne, huevos y derivados de la leche. Además, los martes y los viernes el ayuno era estricto, y los festejos estaban terminantemente prohibidos. No se oficiaban bodas ni bautismos.

Por este motivo, los cuadros días previos al inicio de la Cuaresma eran una especie de «vía de escape» en la que casi todo estaba permitido y los fieles tendían al exceso. Es más, la palabra Carnaval proviene de las palabras latinas «carnem» y «levare», que juntas significan «quitar la carne».

En las ciudades el desenfreno se convirtió en algo habitual, algo que durante la Edad Media la Iglesia Católica no veía con buenos ojos. Se decidió entonces prohibir los festejos populares, permitiendo únicamente las fiestas privadas. Fue por este motivo por el que los Carnavales empezaron a ser representados por compañías de actores que actuaban en las cortas de los nobles con máscaras.

Para ilustrar estos festejos mostramos este hermoso maquillaje, inspirado en la porcelana china con dorado de Julio Silveira.



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La última carroza del emperador

Cuando Alejandro murió en Babilonia en junio del 323 a. C., se tenía que decidir dónde y cómo enterrarlo. 

Todos eran conscientes de la importancia del destino (Babilonia, el oasis de Siwa, la necrópolis real de Egas en Macedonia…), pues quien controlara la tumba podría concederse una legitimidad absoluta. 

Según las costumbres macedónicas, el que enterraba a un monarca podría aspirar a ser reconocido como su sucesor. Debía ser incinerado y sus cenizas depositarse en una urna. Sin embargo, siguiendo la tradición egipcia, Alejandro fue momificado y colocado en un sarcófago de oro en un templo de Babilonia hasta su teórico emplazamiento en Macedonia.

El regente Pérdicas abandonó la ciudad para ir de campaña a Asia Menor, pero dejó el encargo de construir el catafalco para trasladar a Alejandro a su tumba a un oficial llamado Arrideo. Este magnífico carruaje funerario tardó casi un año en estar listo.

Descripción del catafalco funebre 

El cuerpo fue bañado en especias y cubierto de paño con motivos áureos. En cada esquina del carro habían estatuas en oro de la diosa griega Niké. La parte superior del carromato se adornó exquisitamente. En los laterales, se representaban guardias persas y macedónicos así como su famosa caballería, la flota y elefantes de guerra indios. Las ruedas tenían figuras de cabezas de leones cuyos dientes sostenían lanzas. El carromato era tan grande que se necesitaban 64 mulas para tirarlo y cada una de ellas llevaba una corona de oro y un collar de gemas....

La comitiva después de salir de Siria, a la altura de Damasco, desobedeció a Pérdicas pactando con Ptolomeo –uno de los lugartenientes de Alejandro- para dirigirse a la ciudad egipcia de Menfis en Egipto (en vez de ir hacia Macedonia) donde le esperaba una capilla dentro del templo del Serapeo de Saqqara, en la necrópolis de la antigua Menfis, al final de una larga avenida de esfinges.

Su mausoleo en Alejandría: 

En el año 282 a. C. se le trasladó a la ciudad de Alejandría, y entre los años 221 y 204 a.C, se construye un magnífico mausoleo que según Estrabón se localizaba en el norte de la ciudad, donde se encontraban los Palacios, conocido como el Soma (“cuerpo” en griego), convirtiéndose en el más famoso y sagrado santuario del mundo antiguo

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Nellie Bly, la mujer que dió en menos 80 días la vuelta al mundo

Nellie Bly, la mujer que dio la vuelta al mundo en menos de 80 días. Considerada como la primera periodista de investigación de la historia. No solo superó el récord del famoso personaje de Julio Verne, Phileas Fogg, al dar la vuelta al mundo en menos de 80 días, sino que protagonizó otras increíbles hazañas como infiltrarse en un manicomio para mostrar su realidad.

Cuando Nellie Bly (Elizabeth Jane Cochran. Pensilvania; 5 de mayo de 1864 – Nueva York; 27 de enero de 1922), con tan solo 25 años pero convertida ya en una intrépida periodista, propuso al editor del periódico para el que trabajaba en ese momento la idea de hacer el recorrido de la novela de Julio Verne la respuesta literal, según narra el libro de la propia Bly Around the world in 72 days (Alrededor del mundo en 72 días), fue “es imposible que pueda hacerlo. En primer lugar, usted es una mujer y necesitaría un protector. Incluso si pudiera viajar sola, necesitaría tanto equipaje que no podría hacer transbordos rápidos (…), solamente un hombre puede hacer ese viaje” .

Nellie Bly con su abrigo y la maleta de mano que llevó consigo para el viaje

Esto ocurrió hace casi 130 años, en 1889, y es que Nellie Bly es una de esas mujeres en la sombra, que hizo historia a base de valentía y coraje, pero de la que apenas sabemos nada. Todos conocemos perfectamente al mítico personaje de Verne, y por supuesto su vuelta al mundo en 80 días, pero casi nadie ha escuchado ni una palabra sobre la mujer que materializó este viaje, y que incluso batió el récord, acortándolo en ocho jornadas.

BLY REALIZÓ EL VIAJE SOLA, CON 25 AÑOS, UNA ESCASA MALETA Y 200 LIBRAS ESTERLINAS ESCONDIDAS EN UNA BOLSA.

Rondaba el año 1889 y tras la fatídica respuesta de su editor, Bly no se vino ni mucho menos abajo. “Muy bien, envíen a un hombre, yo saldré el mismo día y llegaré antes que él”, contestó. En menos de dos días, estaba zarpando en un barco desde Nueva York rumbo a Londres, sola, con 25 años, una escasa maleta y 200 libras esterlinas escondidas en una bolsa.

Juego de mesa inspirado en la intrépida periodista

Era el 14 de noviembre de 1889 y exactamente 72 jornadas, 6 horas, 11 minutos, 14 segundos y 40.000 kilómetros después, el 25 de enero de 1890, estaba de vuelta en Nueva York. Pasó por Londres, Calais, Brindisi, Port Said, Ismailia, Suez, Adén, Colombo, Penang, Singapur, Hong Kong, Yokohama y San Francisco.

Además de inteligente, profesional, valiente y concienciada socialmente, la periodista era muy hermosa

Una tremenda aventura que sirvió para que Bly trajese consigo infinidad de relatos, experiencias y reflexiones que aunó en una bitácora que publicó en forma de libro.



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Jugando a la oca con la peripecia de la aventurera

El propio Verne le había confesado en persona a Bly, en un encuentro que mantuvieron en su casa en Francia mientras la periodista realizaba su travesía, que la felicitaría si lo conseguía. “Si logra hacerlo en setenta y nueve días le aplaudiré a rabiar”, le dijo. Esperamos que no se lastimara en exceso las manos de la emoción…

‘SI LOGRA HACERLO EN SETENTA Y NUEVE DÍAS LE APLAUDIRÉ A RABIAR’, LE ASEGURÓ EL PROPIO VERNE. BLY LO HIZO EN 72.

-“Si hubiera encontrado el elixir de la vida, no me habría sentido mejor que cuando fragüé la esperanza de que era posible dar la vuelta al mundo en menos de 80 días”. Con estas palabras, Nellie Bly no habría podido hacer un mejor balance de su valiente iniciativa.

 https://youtu.be/BrrgeZKvFEo?t=14

Magnífico vídeo realizado por Google sobre la travesía de Bly

Pionera del periodismo de investigación

Pero la valiente iniciativa de viajar alrededor del mundo trajo también alguna que otra consecuencia negativa para Bly. La fama que le aportó su éxito le impidió continuar realizando periodismo de investigación, ese que tanto le apasionaba y del que fue sin ninguna duda pionera absoluta.



Póster de la película sobre su experiencia en el manicomio

Si algo se necesita para desarrollar este tipo de periodismo es discreción. Y eso mismo pensaron los responsables del New York World, periódico para el que trabajaba, y cuyo director era nada menos que Joseph Pulitzer, que hoy da nombre al más prestigioso premio de periodismo.

NELLIE BLY FUE EL ADALID DEL PERIODISMO GONZO, EN EL QUE EL PROPIO PERIODISTA SE CONVIERTE EN PARTE FUNDAMENTAL DE LA HISTORIA.

Nellie Bly fue el adalid del periodismo gonzo, en el que el propio periodista se convierte en parte fundamental de la historia, varias décadas antes de ser bautizado como tal por Hunter S. Thompson, al que se sigue considerando pionero de este estilo sin serlo realmente. Bly representó una nueva manera de contar las historias, inmiscuyéndose cual camaleona en determinadas comunidades para descubrir sus entresijos y denunciar injusticias.

Carátula del audio libro Ten days in a Madhouse 

La primera historia que Pulitzer le pidió, y empezó fuerte precisamente para ver hasta dónde podía llegar la joven periodista, fue la de hacerse pasar por loca en el internado de mujeres de Blackwell’s Island, con el objetivo de contar qué ocurría allí dentro. Con tan solo 23 años, Bly soportó baños de agua gélida y sucia, comida rancia y la amenaza del maltrato físico y sexual.



Ilustración sobre la recepción de Bly a su llegada a Jersey City

Su artículo, denunciando las atrocidades cometidas contra las internas y publicado como libro a posteriori, Ten days in a Mad-House (Diez días en un Manicomio), tuvo tal impacto que acabó por abrir muchas investigaciones en el centro, y juzgar y encarcelar a varios médicos y enfermeras de la institución, empujando asimismo a la creación de un protocolo para la dignidad y humanidad de los pacientes en instituciones de salud mental.

CON 23 AÑOS SE HIZO PASAR POR LOCA PARA INGRESAR EN EL INTERNADO DE MUJERES DE BLACKWELL’S ISLAND, CON EL OBJETIVO DE CONTAR QUÉ OCURRÍA ALLÍ DENTRO.

Antes de eso, con 21 años, la periodista se había marchado por iniciativa propia como corresponsal a México, de donde nació su obra Six Months in Mexico (Seis meses en México).

Bly en su madurez

En ella denunció las atrocidades de la dictadura mexicana contra el pueblo, la tiranía de Porfirio Díaz -militar que ejercía la presidencia del país en ese momento- y la inexistencia de libertad de prensa.

Tumba de la reportera en el cementerio de Woodlawn

Bly también trabajó en una fábrica, pasó una noche en un albergue para mujeres indigentes, visitó un fumadero de opio e incluso probó suerte con el ballet, el adiestramiento de elefantes y el boxeo… Ninguna historia era demasiado arriesgada para no ser contada por esta intrépida periodista. La primera de muchas que le seguirían después.

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El arte desde un punto de vista, Michael Murphy

El estadounidense Michael Murphy (Ohio, 1975) define sus obras como "trabajos multimedia que integran técnicas tradicionales con procesos digitales". El germen de la proyección de la mariposa le inspiró primero para jugar con la imagen y un fondo con textura y relieves, "después quise capturar la esencia del fenómeno visual en las esculturas mismas, crear obras que no necesitaran electricidad ni apretar botones".

"Una noche proyecté sobre unos árboles la imagen de una mariposa. Desde la posición ideal frente al proyector la imagen era perfecta, pero cuando caminaba alrededor, se distorsionaba y se separaba por lo irregular de la superficie".

Crea retratos en piezas, superponiéndolas hasta que el conjunto forma un rostro completo. No le importa que la técnica le reste importancia a la obra artística: "Trato de crear una experiencia perceptiva única, ver de una nueva manera. El tema es secundario".

Un proceso a ordenador y piezas hechas a mano

Utiliza cristal antibalas, madera, poliuretano, cables... Aunque procesa las fotos en el ordenador y las simplifica en partes que luego puede aislar y dibujar, todo está hecho a mano. "Las piezas hechas de cristal antibalas las corto con un acanalador atornillado a una mesa, pero muchas de mis obras las he hecho con una máquina de corte con chorro de agua".

Esculturas que se fragmentan si no se miran de frente

Ha retratado a Martin Luther King, Barak Obama y Steve Jobs superponiendo piezas que sólo forman un rostro completo vistas de frente.

El artista Michael Murphy define sus obras como "trabajos multimedia que integran técnicas tradicionales con procesos digitales".

Quiere crear "una experiencia perceptiva única, ver de una nueva manera".

Entre los retratados, símbolos históricos, personajes que están de moda o que son noticia. Barak Obama, Martin Luther King, y Steve Jobs son algunos de los que Murphy ha fragmentado y vuelto a unir con un complejo rompecabezas que sólo se ve bien cuando el espectador se sitúa justo enfrente de la pieza.

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Las grandes manos, que hablan por el pueblo.

Oswaldo Guayasamín.

Su pincel se convirtió en la fiel herramienta para colorear la amargura, el silencio, las lágrimas y todas las injusticias que sus ojos presenciaban. La denuncia social fue lo que caracterizó cada una de las obras, donde negro, cholo e indígena encontraron un espacio en su lienzo. 

Su apellido en kichwa significa 'casa de la sabiduría'. Fue uno de los artistas más importantes a nivel mundial.

Los niños muertos, que retrata a un grupo de cadáveres en una calle de la capital, es considerada como la primera obra en la que tiene un encuentro con la violencia, pues uno de los chicos que conforman aquella pintura era su mejor amigo.

En 1948 emprendió un viaje donde dio a luz su primera serie denominada Huacayñán, también conocida como El camino del llanto. Por dos años recorrió cada pueblo y ciudad del continente americano para pintar 103 cuadros.

En una entrevista concedida en 1976 a la revista Paratodos de Diario EL UNIVERSO, el artista se refirió a esta serie. "Fue hecho con el propósito de mostrar al mundo la conjunción de grupos humanos que conforman la América Latina".

"El creador de arte es el que más está ligado a su pueblo, su voz será la única poderosa y potente en el devenir del tiempo", Oswaldo Guayasamín.

La edad de la ira es otra de sus series que fue expuesta en los mejores museos a nivel universal. Su realización significó un viaje de siete años alrededor del mundo, en donde visitó los campos de concentración de Europa, países socialistas, e Hiroshima. Falleció el 10 de marzo de 1999 sin ver finalizada su más importante obra La capilla del hombre doliente. Sus cenizas reposan en una vasija de barro, bajo un árbol plantado por el mismo artista en la casa donde vivió sus últimos años.

Detalles de su vida

Provino de una familia humilde, siendo el mayor de 10 hermanos. Su padre fue de ascendencia indígena y su madre mestiza. "Tengo un 75 % de sangre india, y un 25% de sangre española. Soy un mestizo; pero bastante inclinado a la cosa india. Esto tiene una especificación para mi comportamiento", manifestó en 1976.

Guayasamín trabajó como tractorista y luego como chofer. Pero fue la pintura la que lo conquistó desde niño. Según la biografía recogida por la Capilla del Hombre en Quito, el artista utilizaba leche materna para disolver las pastillas de acuarela. Esta era cedida por su madre, alimento de su hermano recién nacido.  

Además, se conoce que fue expulsado de varios colegios donde caricaturizaba a sus maestros. Finalmente, en 1933 logra entrar a la Escuela de Bellas Artes de Quito, donde se destaca como estudiante y obtiene su título de pintor y escultor en 1940, cuando tenía 21 años.

"Guayasamín es uno de los últimos cruzados del imaginismo; su corazón es nutricio y figurativo, de dolores terrestres, de personas agobiadas, de tortura y de signos histórica"

—Pablo Neruda, poeta chileno

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¿Cuál es la obra de arte más robada, expoliada incluso por los nazis?

Dicen de ella que fue la última y espectacular obra de arte de la Edad Media. Otros, en cambio, afirman que se trata de la primera gran pintura del Renacimiento, al menos nórdico. Y allí sigue, en una frontera, entre el fin de un periodo y el inicio de otro, atrapada entre un alfa y un omega que, en realidad, solo sirve para clasificar, porque lo realmente importante de este inmenso políptico es la maestría de sus autores y la fascinación que siempre ha causado, desde el primer momento en que se expuso en la catedral de San Bavón de Gante acabada de pintar, en 1432, hasta la actualidad, inmersa en un proceso de restauración que ha levantado alguna polémica. Hasta tal punto ha sido codiciada esta obra que se la considera la más robada de la historia. 

Hasta siete veces, según calculó Noah Charney, el autor de El ladrón de arte, en un libro dedicado exclusivamente a esta maravilla de la pintura flamenca. Detrás de este récord se encuentra un retrato de Rembrandt, sustraído hasta cuatro veces de la Pinacoteca Dulwich de Londres.

Hasta siete robos

La desventura de la pintura que nos ocupa empezó ya en 1566, cuando se desmontaron las doce tablas pintadas al óleo que la integran para protegerla de los ataques iconoclastas de los calvinistas. Pero eso no era nada comparado con lo que le esperaba. A principios del siglo XIX, por ejemplo, Napoleón entró en acción y se llevó las tablas centrales al Louvre como botín de guerra mientras que las laterales fueron vendidas. Unos años más tarde, algunos paneles pasaron a formar parte de la colección del rey de Prusia Federico Guillermo III. Hasta que tras la I Guerra Mundial, el tratado de Versalles devolvió las tablas a su lugar original en la catedral de Gante.

El robo más significativo llegaría en 1934, cuando desapareció uno de los paneles inferiores, el que hace referencia a Los Jueces Justos. Nunca se logró recuperar. El que ahora aparece en su lugar es una copia realizada en 1945 .

Ahora bien, su último gran robo llegó con los nazis. De la misma manera que Napoleón, Hitler también se obsesionó por esta inmensa pintura. Llena de simbolismos, creía que albergaba la clave para encontrar los Arma Christi, es decir, los instrumentos de la pasión de Cristo a los que les otorgaba poderes sobrenaturales, como la cruz, la corona de espinas o la lanza, que aparecen representados en manos de ángeles en el panel central. Tras la II Guerra Mundial, los Monuments men lograron recuperar el conjunto pictórico del interior de la mina de Altaussee, el famoso almacén de obras expoliadas por los nazis.

En la actualidad, el retablo La adoración del Cordero Místico, también llamado Altar de Gante, ejecutado por los hermanos Van Eyck, sigue en su lugar, con su famosa tabla central, dedicada al Cordero Místico, recién restaurada. Tantas vicisitudes habían ensombrecido el rostro del Agnus Dei, hasta tal punto que tras el lavado de cara ahora incluso parece que sonría.

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El misterio del cráneo

Hay cosas realmente fascinantes en nuestro planeta. El cráneo tallado tibetano es uno de esos elementos fascinantes con una historia alucinante que ofrece una visión de las culturas y tradiciones antiguas de hace cientos de años. Además de varios símbolos que se cree que representan deidades antiguas, una misteriosa escritura antigua está grabada en el cráneo.

 El misterioso cráneo fue descubierto por casualidad en una tienda de antigüedades en Viena, Austria. Tras ser analizado y estudiado por varios expertos y organizaciones, el cráneo ha creado un debate fascinante ya que nadie parecía haber oído hablar de un cráneo como este.

 Se sabe que las gorras de calavera son ampliamente conocidas por ser talladas en el Tíbet, Nepal y la India, sin embargo, los grabados de cráneos humanos completos no se practican tan ampliamente.

 La única persona que parece saber más al respecto es un khenpo tibetano –profesor monje– que afirma que en la antigüedad se tallaban cráneos similares para quitar la 'maldición' de una familia, o para guiar el alma de un humano engañado hacia el camino correcto.

 Aparentemente, la información adicional sobre el cráneo y tales prácticas es muy limitada.

 El fascinante cráneo fue vendido en una casa de subastas por un hombre que afirma haberlo obtenido de uno de sus antepasados ​​que fue médico en Viena, Austria.

Se dice que el médico, que viajaba al extranjero, ejerció la medicina en un monasterio budista donde recibió el cráneo como recompensa por sus servicios.

 De lo que los expertos han podido distinguir, hay DOS esqueletos danzantes representados en la frente que se cree que simbolizan a los protectores del Dharma, los guardianes docentes de Buda.

 Además de los esqueletos danzantes, el cráneo misterioso presenta una criatura parecida a un pájaro en el costado que se cree que representa a Garuda, protector y aquel que conquista a los Nagas, alias demonios, que se atreven a desafiar.

 Según los expertos, el lado izquierdo del enigmático cráneo representa a Vajra Pani, un protector amoroso iracundo. La parte superior del cráneo tiene una Cruz Vajra Doble tallada que representa a la Familia de Buda.

 El intrincado cráneo también tiene un símbolo de cuatro cabezas de cabra que emergen de una plataforma de tres escalones en el lado izquierdo.

 Además de las diferentes representaciones del cráneo, también hay tallas en un antiguo sistema de escritura que se cree que se llama "lant'sa".

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Arte en la nieve

Una de las grandes ventajas del arte es que puede ser expresado de diversas maneras, no tiene un limite, y depende sobre todo de lo que se desea transmitir, por ello hemos visto todo tipo de expresiones que van desde la fotografía, pasando por imágenes hechas con restos de comida, hasta complejas instalaciones en todo tipo de lugares, donde la idea es sorprender y romper con la rutina.

Con la llegada de las redes sociales, cada vez es más sencillo presenciar proyectos sorprendentes que de otra forma hubiera sido imposible conocer, como en este caso, que estamos ante el autodenominado "primer y más famoso artista de la nieve", quien dedica un día entero a caminar varios kilómetros sobre la nieve para crear enormes obras de arte efímeras.

Arte en la nieve

Simon Beck ha denominado a su técnica como "Snow Art" y se puede decir que prácticamente no tiene competencia, porque nadie en su sano juicio sería capaz de viajar hacia los lugares más fríos y desolados del planeta, sólo con la intención de crear gigantescos murales sobre la nieve, pero además, hacerlos únicamente por medio de sus pisadas y con la plena conciencia de que ese mural desaparecerá en los próximos minutos u horas.

Así trabaja Simon Beck, quien dedica un día entero a caminar sobre la nieve para crear sorprendentes imágenes, algo que inicio como un mero pasatiempo, pero debido al éxito obtenido, ahora es contratado por estudios de cine y agencias publicitarias para que haga murales sobre encargo, algo que disfruta y ha hecho por más de 10 años.

El proceso es bastante complejo, primero debe crear la imagen en computadora a escala, después viaja a zonas donde no haya turistas y pueda encontrar un lugar lo suficientemente plano y grande para crear su obra, ademas de que las condiciones climatológicas deben ser adecuadas, porque una tormenta o viento imprevisto pueden arruinar todo.

Una vez que tiene la imagen y el lugar, se traslada desde la primera hora del día e inicia el trazado de las líneas rectas con la ayuda de una brújula, en estas líneas debe caminar hasta en tres ocasiones para que queden bien marcadas, posteriormente se crean las curvas, y aquí no hay una técnica definida, todo lo hace en base a su instinto y experiencia, siendo la parte más complicada de todas; y finalmente rellena algunas zonas para dar volumen y características especiales al mural.

Como es de imaginar, después de caminar entre 7 y 10 horas, Simon termina exhausto, el equipo que lo acompaña se encarga de tomar las fotografía y después de esto es momento de abandonar el lugar y su obra de arte.

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CONSTRUCCIÓN DE LA TORRE EIFFEL

CONSTRUCCIÓN DE LA TORRE EIFFEL

Su objetivo era convertirla en la insignia del París moderno y para ello debía ser un monumento magestuoso. Su estructura de hierro pudelado (tipo de hierro refinado producido en hornos reverberos hasta conseguir eliminar el carbono y el azufre y poder obtener el hierro forjado) alcanzó los 324 metros de altura y fue diseñada por Gustave Eiffel, Maurice Koechlin y Émile Nouguier para la Exposición Universal de París de 1889, fecha que marcaba el centenario de la Revolución Francesa.

Se publicó un gran concurso en el Boletín Oficial francés, se presentaron alrededor de 107 proyectos, pero la propuesta de Gustave Eiffel (empresario), Maurice Koechlin y Emile Nouguier (ingenieros) y Stephen Sauvestre (arquitecto) era innovadora: estudiar la posibilidad de levantar sobre el Campo de Marte una torre de hierro, con una base cuadrada, con 125 metros de lado y 300 metros de alto".

En un principio su construcción causó el rechazo de los parisinos que no veían con buenos ojos una construcción de hierro que cambiaría la imagen del París tradicional, entonces, para hacer el proyecto más aceptable de cara a la opinión pública, Nouguier y Koechlin solicitaron al arquitecto Stephen Sauvestre que trabajara en la apariencia del proyecto. En un principio, Sauvestre propuso pedestales en las patas recubiertos con mampostería, arcos monumentales para unir las columnas y el primer nivel, grandes salas acristaladas en cada planta, un diseño en forma de bulbo para la cima y otros ornamentos para adornar la estructura en su conjunto. Por último, el proyecto se simplificó, pero se conservaron determinados elementos como los grandes arcos de la base, que ofrecían una mejor resistencia ante el efecto del viento.

Su construcción empezó un 28 de enero de 1887 con la preparación de una base cuadrada de 125 metros sobre un cimiento de hormigón muy profundo, por debajo del nivel del suelo y sobre una capa de grava compacta. El montaje de las patas comenzó un 1 de julio de 1887 y duraría aproximadamente 4 meses, luego se trabajaría la unión de las 4 vigas de la primera planta que duró hasta diciembre del mismo. La primera planta se termina el 1 abril de 1888. El 14 de agosto del mismo año se termina la segunda planta. Luego vendría el tramo final y la colocación de la antena. Su construcción total terminó un 31 de marzo de 1889, en tiempo récord, se hizo en 2 años, 2 meses y 5 días, una hazaña técnica para la época.

Cabe destacar que mientras se iba construyendo, se temía que en cualquier momento pudiera colapsar así que decidieron ponerle más de 2 500 000 remaches, sólo la tercera parte de ellos iban colocados directamente sobre el terreno y casi la mitad de lo que quedaban era de emergencia para reforzarla.

Sobre el terreno trabajaron entre 150 y 300 obreros, dirigidos por un equipo de veteranos en grandes viaductos metálicos. 

Las cifras no mienten: se necesito 18038 piezas metálicas, 5300 diseños de taller, 50 ingenieros y diseñadores, 150 operarios en la fábrica de Levallois-Perret, entre 150 y 300 operarios en la obra, 2 500 000 remaches, 7300 toneladas de hierro, 60 toneladas de pintura, 5 ascensores

En principio, la torre Eiffel estaba diseñada únicamente para la exposición, con la intención de ser desmantelada al cabo de 20 años al finalizar la concesión que se le otorgó a Gustav Eiffel, sin embargo la instalación de una antena de radio en su punto más alto le valió para evitar ser desmantelada. Hoy en día es de propiedad de la ciudad de París.

Antes de haber terminado su construcción, la torre ya estaba en el ojo de la tormenta. Después del rechazo público, en el que también participaron personalidades de la literatura y el arte, la torre supo sobreponerse y disfrutar del éxito merecido. Las polémicas se terminaron por sí solas cuando culminó la construcción. La torre recibió aquella vez dos millones de visitantes durante la exposición de 1889.

Ante el inmenso éxito popular que cosechó, Gustav Eiffel fue condecorado con la Legión de Honor en el grado de Caballero.

Referencias:

https://historia.nationalgeographic.com.es/a/torre-eiffel-construccion-coloso_11345

https://www.toureiffel.paris/es/el-monumento/historia

https://blog.structuralia.com/la-construccion-de-la-torre-eiffel

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10 obras para crear conciencia

10 obras de arte en el mundo que apelan a prevenir el calentamiento global

Se dice que la cantidad de "gases de efecto invernadero" como el dióxido de carbono y el metano emitidos por los seres humanos está aumentando en todo el mundo debido al desarrollo de la industria. Según el IPCC del organismo internacional, se estima que la temperatura media de la tierra se elevará hasta 4,8 ° C en 2100 debido principalmente a este gas de efecto invernadero.

Estas obras contienen varios mensajes para ayudar a mantener la ecología y elevar el nivel del mar. Echemos un vistazo a los trabajos candentes de estos artistas aquí.

1. Personas que no pueden creer el calentamiento global (Reino Unido: 2009)

El muralista encubierto Banksy, que trabaja en el Reino Unido, asistió a la Conferencia sobre Cambio Climático de 2009 en Londres. Inmediatamente después de eso, dibujé este mural con el texto "No creo en el calentamiento global " .

La mitad de las letras están sumergidas en el agua del río, y las personas que no pueden creer el calentamiento = eso es lo que es. Se expresa el mensaje.

2.dos manos extendidas desde el río (Italia: 2017)

Lorenzo Quinn, un escultor italiano, expuso esta obra en la Bienal de Venecia 2017, una exposición internacional.

Se dice que los dos brazos que se extienden desde el río expresan que " eventualmente nos volveremos así debido al empeoramiento del cambio climático " .

3.alrededor de 1000 humanos disueltos (Alemania: 2009)

La artista visual brasileña Néle Azevedo ha colocado alrededor de 1000 Melting Men en Jean-Dalmen Markt, una plaza de Berlín. Se dice que el hielo tallado con forma humana se derritió y se desmoronó gradualmente durante 30 minutos, lo que llamó la atención.

4. ballena gigante colocada en el río Sena (Francia: 2015)

Hay una estructura de ballena de unos 30 metros de largo en el río Sena en París, Francia. Fue construido por los interesados ​​el día de las Charlas sobre el Clima (COP21) celebradas en París.

Está creado para impresionar a las ballenas que están en peligro de morir debido al calentamiento y la pesca de ballenas . Por cierto, el modelo es una ballena llamada Bluebell que fue capturada hace 100 años.

5. gente en traje que no hace nada (Reino Unido: 2015)

Una escultura realizada por el escultor británico Jason Decares Taylor en el río Támesis en Londres. Representa a cuatro hombres en traje de negocios a horcajadas sobre un animal enterrado en el agua y sin hacer nada .

Por cierto, hay un edificio del parlamento cerca de esta escultura, y parece que eligió este lugar intencionalmente.

6. Superman derretido (Singapur: 2012)

La escultura derretida por Superman en el Museo de Singapur es una obra de dos diseñadores, Mojoko y Foenander.

El mensaje que quiero transmitir en esta escultura es que "los superhéroes no son superhéroes para siempre. No hay futuro para nosotros en el futuro donde Superman se está derritiendo " .

7. Las personas indiferentes al calentamiento se ahogarán (España: 2014)

Obra del escultor español Isaac Cordal. Representa a personas indiferentes al calentamiento hundiéndose en el agua para que puedan ver el aumento del nivel del mar debido al cambio climático .

8. Oso blanco gigante del Ártico en el río Támesis (Reino Unido: 2009)

Una escultura de un oso ártico construida por el canal de televisión británico "Eden TV" para coincidir con la inauguración de un nuevo programa. Se dice que mide unos 6 metros de largo y pesa alrededor de 1,5 toneladas.

Está diseñado para flotar sobre el río Támesis, quejándose de que el calentamiento ha reducido el número y el hábitat de los osos árticos. Llevó dos meses producirlo y lo hicieron 15 artistas.

9. Delfines hechos de basura en la Bahía de Guanabara (Brasil: 2015)

Río de Janeiro, Brasil, donde se llevaron a cabo los Juegos Olímpicos en 2016, es famoso por la contaminación mortal de la bahía de Guanabara.

Este trabajo fue realizado por un estudiante de la Universidad Federal de Río de Janeiro. Representa a los peces sufriendo por la basura arrojada por los humanos .

10. 600 personas desnudas mirando el glaciar (Suiza: 2007)

Una obra del fotógrafo estadounidense Spencer Tunic que sublima en arte a una gran cantidad de personas desnudas. Se dice que unas 600 personas participaron en el tiroteo en una campaña realizada por el grupo internacional de protección ambiental "Paz Verde" para difundir la conciencia sobre el calentamiento.

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