El pianista que se curo con la música, James Rodhes

James Rhodes parecía haber venido al mundo predestinado para ser feliz y exitoso. Era el hijo de un próspero matrimonio judío y nació en Londres, el 6 de marzo de 1975. Fue a estudiar a un colegio privado para niños ricos, el Arnold House School. De él, obviamente se esperaba que se educara en los mejores ámbitos y luego triunfara tanto como sus progenitores.

En su libro, James Rhodes cuenta que cuando estaba a punto de cumplir 6 años, el profesor de boxeo lo llevó a un cuarto sin ventanas. Ya se había ganado su confianza, con palabras amables y regalándole cajas de cerillas. Ese día, en ese cuarto oscuro y a tan temprana edad, fue violado por primera vez. La situación se repitió durante los siguientes cinco años. Nadie se dio cuenta. Una de las profesoras sospechaba que algo ocurría, pero creyó que se trataba de un abuso físico y no sexual. De todos modos, jamás lo denunció. El victimario amenazaba al niño para que callara. Así lo hizo durante 30 años. Por eso para James Rhodes era crucial que el Tribunal le permitiera publicar su libro.

Autodestrucción y locura

Cuando James Rhodes tenía entre 5 y 10 años, en el mundo aún no se hablaba acerca del abuso sexual a menores, al menos de manera abierta. Mucho menos cuando la víctima era un niño y no una niña. Por eso, el efecto central de la experiencia fue la de generar enormes sentimientos de culpa a Rhodes. Dice que el hecho se convirtió en “una mancha” que llevaba consigo a todas partes.Cuando terminó la escuela, ya era un aficionado a la música. Sin embargo, su familia no estuvo de acuerdo con que siguiera esa carrera. Así que finalmente estudió para incursionar en el mundo de los negocios. Se casó y se convirtió en un ejecutivo exitoso e infeliz.

Entre tanto, James Rhodes también se volvió adicto a las drogas. Tuvo cinco intentos de suicidio. Estuvo internado en un psiquiátrico a la fuerza. Su matrimonio sucumbió y se le prohibió ver a su hijo.

También fue adicto al sexo y se autolesionaba con cuchillas de afeitar. Ha dicho que para él fue vergonzoso haber experimentado una erección mientras lloraba de tristeza, pues inconscientemente asocia las lágrimas al sexo.Una nueva vida

James Rhodes fungía como un negociante exitoso y prácticamente por azar terminó involucrado con un productor musical. Este, junto con otras personas, notaron que en James había un excelente intérprete de música. Le ayudaron para que puliera su formación, ya que era un pianista autodidacta.Poco a poco, fue dándose a conocer en el ámbito musical y, en relativamente corto tiempo, alcanzó la fama. Aunque para él, lo importante no es la fama, sino el hecho de haberse podido dedicar por completo a la música. Muchas veces, ha afirmado, sin dudarlo, que Bach le salvó la vida.

Hoy en día, Rodhes es un músico muy apreciado, que ya tiene siete discos en el mercado y una trayectoria de alcance mundial. Se casó de nuevo y, al parecer, esta vez ha tenido un excelente matrimonio. Aún lo persiguen los fantasmas del pasado de vez en cuando, pero ya nadie impedirá que le cuente al mundo su dolor.

La publicación de su autobiografía marcó un antes y un después para James Rhodes. La misma lleva por título Instrumental, memorias de música, medicina y locura. Más que una historia de su vida, lo que había allí era una confesión y una catarsis. También una vía para denunciar y reparar, en parte, los abusos de los que había sido víctima cuando era niño.

A James Rhodes lo caracteriza su impresionante talento musical al piano, su resiliencia y su gran capacidad para superar experiencias traumáticas en la infancia. Su vida es un ejemplo tanto de los gigantescos efectos del abuso, como del enorme poder curativo del arte.

“Solo el sonido del piano consiguió, y aún hoy lo hace, acallar mi ruido interior”.

-James Rodhes-

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El Diablo siempre cobra, Nicoolo Paganini

El 27 de octubre de 1782 nació en Génova una de las figuras más emblemáticas de la música clásica, se trataba de Niccolo Paganini. Su singular personalidad, su especial talento musical y la leyenda que giró en torno a su figura han sido el origen de, al menos, 30 estudios biográficos.

La leyenda empieza a los 5 años, parece ser que en una de las ensoñaciones de su madre aparece el demonio y le comunica que su hijo Niccolo será un famoso violinista, a partir de ese momento su padre le obligó a practicar diariamente al menos 10 horas. 

Fue un niño prodigio, su padre le envió al maestroAlessandro Rolla para que le enseñara el arte musical, pero éste, tras escuchar un concierto del pequeño, no pudo por menos que decirle: “… no tengo nada que enseñarte”. 

A los 41 años dio un concierto en La Scala, que siguió de once más durante las seis semanas siguientes, viajó por gran número de ciudades europeas ofreciendo numerosos conciertos; cuando su fama alcanzó la cima, incrementó sus honorarios en cuatro o cinco veces, lo cual le generó una fama de avaro, que no es del todo exacta, pues en cierta ocasión extendió un cheque a Berlioz, a quien acababa de conocer, por valor de veinte mil francos, para ayudarle a salir de su penuria económica. 

A pesar de la gran fortuna que consiguió amasar en pocos años, continuó vistiendo con pantalones negros y abrigos largos y deshilachados, lo cual dio origen a un perfil inconfundible. 

Era tan extraordinaria su habilidad con el violín que corría la leyenda que la había alcanzado por medios no naturales, se rumoreaba que en cierta ocasión había matado a un rival, siendo condenado por ello a presidio y que allí había vendido su alma al diablo a cambio de conseguir estas dotes tan portentosas. 

Esta leyenda guarda un gran paralelismo con Mefistófeles, uno de los personajes de Fausto, creación del genial Goethe. Otra leyenda afirmaba que hallándose encarcelado, por haber matado a su amante, interpretó bellas composiciones en su celda con tan sólo una cuerda de su “Guarneri”, por habérsele roto las tres restantes, complejos fragmentos violinísticos. 

A pesar de ser “feo, descuidado y trasudado”, como lo describe uno de los críticos de la época, su fuerte personalidad atrajo a numerosas damas, entre sus amantes figuran Paulina y Elisa, las hermanas del emperador Napoleón Bonaparte, y bailarinas como Antonia Bianchi, que fue madre de su hijo Aquiles. 

Su dedicación musical llevó siempre pareja su vida pendenciera y alocada y una afición por el juego que rozaba la ludopatía, se cuenta que en varias ocasiones llegó a apostar su preciado violín. 

Pocos músicos han causado tanto furor en su vida y han llevado a cabo un dominio de la técnica como lo hizo Paganini, a ello contribuyó enormemente su gran flexibilidad articular, el Dr. Bennati lo atendió durante años e informó de algunos detalles de gran interés: 

“… su mano tiene una gran elasticidad, al igual que su hombro y su codo…” 

observó que cuando tocaba su codo cruzaba por encima del otro codo; la flexibilidad de Paganini era tan grande que la uña del dedo pulgar llegaba a tocar el dorso de su mano, esta hiperlaxitud le permitía tocar tres octavas con poco esfuerzo. Se sabe que voluntariamente podía flexionar lateralmente la articulación de sus falanges distales; en varias ocasiones fue preguntado acerca de su mágico secreto, a lo cual el genial compositor siempre respondía que lo revelaría cuando se retirara, desgraciadamente se llevó tan codiciado secreto con él, sin duda sus prodigiosas dotes interpretativas se debieron a un trastorno del tejido conectivo como ahora veremos. 

Sus contemporáneos lo describen como un ser cadavérico, de ojos negros, piel blanca como la cera, pelo largo y negro, nariz prominente y estatura media; la coloración de la piel adoptaría, algunos años después, un tinte gris plateado, debido al tratamiento mercurial que recibió para la sífilis. Dicho tratamiento también fue el responsable de la pérdida de las piezas dentarias y de las molestias estomacales que acompañaron al compositor a lo largo de sus últimos años. 

El síndrome de Marfan es el trastorno más frecuente del tejido conectivo, caracterizado por una alteración del metabolismo del colágeno, entre sus manifestaciones musculoesqueléticas se encuentran la aracnodactilia, la desproporción esquelética y una elevada estatura. Como ya hemos citado, Paganini era de estatura mediana, en cuanto a la aracnodactilia, en el Museo del Conservatorio de París se guarda un molde de la mano de Paganini, el cual es de forma y dimensiones normales, su dedo índice mide 10.1 cm y su dedo pulgar, en extensión, 6.7 cm. Estos hechos hacen poco probable que el compositor sufriera una enfermedad de Marfan. 

El síndrome de Ehlers-Danlos se caracteriza por existir laxitud e hipermovilidad articular, con mayor capacidad de estiramiento, características que poseía Paganini. Este síndrome comprende, al menos, 11 tipos diferentes, dado que Paganini vivió durante 58 años, es poco probable que presentase el tipo IV, caracterizado por acortamiento de la longevidad y por presentar menor extensibilidad. Probablemente el músico italiano sufrió un tipo III, caracterizado por ser benigno y porque la gran laxitud articular no se suele acompañar de excesivas deformidades esqueléticas. 

De forma gradual fue perdiendo su voz y permaneció afónico durante los dos últimos años de su vida, entre los diagnósticos diferenciales se barajan la laringitis tuberculosa y la lesión del nervio recurrente secundaria a un aneurisma aórtico; en cualquier caso, falleció en Niza el 27 de mayo de 1840. 

La fama de endemoniado persiguió a Paganini hasta la muerte, pues el obispo de Niza le negó sepultura eclesiástica, al haberse negado a recibir la Extremaunción los días previos a su fallecimiento por pensar que todavía no había llegado su hora. Su cuerpo fue embalsamado durante dos largos meses y posteriormente, por espacio de un año, fue depositado en el sótano de la casa de su hijo, finalmente fue enterrado en el lazareto de Villefranche, pero aquí no terminaría la peregrinación, ya que años después sería trasladado a otros cementerios, hasta alcanzar el de Parma, en donde reposa actualmente. El excentricismo de Paganini y su “endiablada” habilidad propiciaron que muriera sin fundar ninguna escuela musical.

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El Cante, la expresión del alma

El cante

Como género de composiciones musicales o estilos, empieza a ser divulgado hacia mediados del siglo XIX. Según la opinión más aceptada, surgió como resultado de la yuxtaposición de modos musicales folclóricos diferentes de Andalucía. Las coplas de sus diferentes estilos expresan en general, los sentimientos e intuiciones radicales del hombre. Los temas principales del cante flamenco, son el amor, la vida y la muerte. No se atienen a ningún patrón métrico rígido. Carece de las más genuinas figuras poéticas y grandilocuencia retórica. Suelen impresionar por su desnudez literaria y capacidad de síntesis.

La música se desarrolla apoyándose en melismas y vibratos, y los temas melódicos describen una trayectoria especial en cada cantaor. Bajo esta denominación, se incluyen además de los estilos originarios por la yuxtaposición anteriormente citada. Son los que a lo largo del tiempo se han unido al género por un proceso de aflamencamiento, como por ejemplo es el caso de algunas canciones hispanoamericanas.

Existen diferentes cantes flamencos, dependiendo de los distintos palos del mismo: Alboreá, Alegrías, Bambera, Bulería, Cabal, Campanilleros, Cantiña, Caña, Carcelera, Caracoles, Cartagenera, Colombiana, Debla, Fandango artístico, Fandangos de Almería, Fandangos de Huelva, Fandango de Güéjar-Sierra, Farruca, Garrotín, Geliana, Granaína, Guajira, Jabera, Jondo, Jota de Cádiz, Liviana, Malagueña, Mariana, Martinete, Media granaína, Milonga, Minera, Mirabrás, Murciana, Nana, Petenera, Playera, Rumba, Saeta, Serrana, Sevillanas, Seguidilla, Soleá, Tango, Tanguillo, Taranta, Taranto, Tiento, Toná, Trillera, Vidalita, Villancico, Zambra y Zorongo.

EL CANTE GITANO

El cante gitano se caracterizaba por su sobrio acompañamiento. Muchas veces se cantaba “a palo seco”, sin acompañamiento. La apoteosis del cante eran las bodas, y en ellas no entraron las guitarras hasta el siglo XX. Las letras o textos tratan la propia vida, la autobiografía cantada en primera persona. Eran para cantar en el ámbito familiar. El canto gitano canta las vivencias inmediatas sin generalizaciones afectivas o éticas. Las letras gitanas no son melodramáticas, sino auténticamente vividas y expresadas de forma directa.

EL CANTE ANDALUZ

Las letras del cante andaluz eran más literarias, pretenciosas y expresaban sentimientos comunes. Eran versiones populares de poesías cultas, y a veces procedían del teatro y de la zarzuela [especie de opereta española]. Este dualismo entre cante gitano y cante andaluz se fue atenuando con el tiempo y dio, a través de influencias mutuas, el hoy llamado cante flamenco.

LOS GITANOS

El nombre de gitanos viene de adjetivo egipcianos o procedentes de Egipto. También se les llamó entonces grecos o cíngaros. Pero el verdadero país de origen es el Pakistán o la India. No sabemos, sin embargo, de qué región de la India vienen exactamente. Probablemente de la región montañosa del norte de la India: Kush y el Punjab. De aquí partieron en gran oleada migratoria hacia el siglo IX después de Cristo.

Las migraciones gitanas en Europa son del siglo XIV-XV. Se asentaron durante siglos en Grecia, desde donde irradiaron hacia la Península Balcánica. Un grupo siguió hacia el centro de Europa y penetró por los Pirineos, llegando a Barcelona hacia 1447. Otro grupo llega también en el siglo XV a Andalucía procedente del Norte de África. Estos gitanos que llegaron a Andalucía fueron bien acogidos e incluso protegidos por la nobleza española. Era un pueblo de herreros, con fama de magos con relaciones con potencias infernales, típicas de los pueblos herreros. Esta profesión de herreros y magos causó naturalmente el recelo de los pueblos agrícolas.

LOS GITANOS EN ESPAÑA

Desde su entrada durante el reinado de los Reyes Católicos, los gitanos vivieron marginados socialmente y perseguidos. Hasta el reinado de Carlos III en el siglo XVIII no adquirieron derechos de ciudadanía y legitimidad jurídica. Sin embargo, hay que decir que Andalucía nunca les fue adversa. Allí fueron bien acogidos debido a que en la región que constituye aún hoy el triángulo del verdadero flamenco: Sevilla, Jerez de la Frontera y Cádiz, vivían entonces muchos moriscos que no habían sido expulsados de España. Allí se fueron asentando los gitanos. Cuando llegaron los gitanos, esta región estaba habitada por fuertes grupos de moriscos (mudéjares convertidos al cristianismo a la fuerza y luego expulsados en el 1609). Entre estos moriscos encontraron los gitanos una buena acogida.

Así encuentran los gitanos en Andalucía un pueblo alegre, hospitalario, sin prejuicios culturales y con una tradición milenaria. Andalucía había sido invadida por muchos pueblos ve- nidos del Oriente, de modo que los gitanos eran restos de las culturas orientales que habían conocido en su peregrinar desde la India. Parece que, a su llegada a España, les causó una gran admiración la música moruna.

EL FOLKLORE ANDALUZ

 Hay muchos testimonios en la Antigüedad de la nativa actitud andaluza para cantar y bailar. Fuentes 

muy antiguas nos dan testimonio de la vocación musical de los andaluces. Los autores romanos Juvenal y Marcial describen el arte de las muchachas de Gades (Cádiz) para bailar. El triángulo Sevilla - Cádiz - Ronda, con centro en Jerez de la Frontera, fue el terreno propicio para asimilar los ricos elementos musicales implícitos en las diversas culturas que convivieron en Andalucía y se superpusieron desde el siglo VIII al XV después de Cristo.

Tenemos los siguientes elementos musicales en el folclore andaluz:

• Modos JÓNICO y FRIGIO (dramático y cromático) inspiradores de la liturgia bizantina-griega, mantenida en Córdoba hasta el siglo XIII por la Iglesia Mozárabe. Esta clase demúsica influyó mucho en el flamenco. 

• Primitivos sistemas musicales HINDÚES transmitidos por sirios y por el cantor y compositor de Bagdad llamado Ziryab. Estos sistemas musicales influyeron en el enarmonismo y en el estilo reiterativo y ornamental de algunos cantes, como la seguirilla de Curro Durse.

• Cantos y músicas MUSULMANAS, introductores de la “gama oral” (derivada de la chino-iraniana), y de la categoría musical de la medida. Huellas de esta música las tenemos en los así llamados melismas del flamenco. La fama es extraña al cantor popular. La influencia se mantuvo hasta el siglo XVII. El fandango andaluz y un buen ejemplo de esta influencia.

• Melodías salmodiales y sistema musical judío entre el siglo IX y XV. La influencia en el flamenco de estas melodías la vemos en las seguiriyas y en las saetas (emparentadas con la oración hebrea “Kol Nidrei”).

• Canciones populares MOZÁRABES, de tipo indígena, autóctonas andaluzas. Anteriores a estas canciones mozárabes son las cantigas de gaditanas. A este estilo de canto pertenecen las jarchyas. Mozárabes son también las zambras, tan caras a muchos califas cordobeses.

Estos elementos muestran la convergencia en Andalucía de los más diversos influjos: orientales, helénicos, semitas, autóctonos, laicos, religiosos, sinagogales, inocaciones muezínicas, liturgias griegas, liturgias visigóticas, canciones cultas de Ziryab, melodías hindúes y persas, melopeas bereberes, jarchyas mozárabes, canciones irquesas de Achfa de Bagdad. Hasta el siglo XV, la cultura musical arábigo-andaluza dio la tónica a toda la Península Ibérica.

EL CANTE GITANO

No tenemos noticia alguna en el siglo XVII de la existencia de algún tipo de algo parecido al flamenco. El siglo XVII usa la palabra solamente para designar a los habitantes de los Países Bajos [Holanda]. El siglo XVII es es la fase preparatoria del cante flamenco, en él persisten los elementos de tradiciones musicales arábigo-andaluzas.  Los gitanos entran en el siglo XVI en Andalucía y se van aclimatizando entre los siglos XVI y XVIII. Las provincias de Sevilla y Cádiz, que aún conservaban un buen porcentaje de moriscos, fueron el terreno más propicio para ellos.

Con los materiales musicales dispersos en los campos de Cádiz y Sevilla, entre la población campesina morisca y andaluza, los gitanos (buenos herreros) forjaron los primeros cantes flamencos, integrando en ellos las diversas tradiciones musicales que encontraron vivas en la población morisca de los campos bajoandaluces. A esto aportaron los gitanos su poderosa capacidad para amalgamar diversos estilos y culturas. Venidos desde la India o el Pakistán, los gitanos recogieron a su paso por el sur de Europa diversos cantes de diversas culturas orientales. En Andalucía encontraron un folclore hermano, que les recordaba el suyo. Entonces, en su innata capacidad de asimilación, absorben cantos y danzas diseminados en el pueblo andaluz. Refunden elementos dispersos y crean o, mejor dicho, forjan algo completamente nuevo: el cante flamenco.

En su cante refundieron el tradicional sentido del ritmo y la danza de Cádiz. Las canciones campesinas de agricultores moriscos de Sevilla y Jerez. Resabios judaizantes, y todo el folklore orientalizado andaluz. Los gitanos aportaron su apasionamiento, su sentido trágico de la vida, su tradición cantora, llena de reminiscencias hindúes, su nativo don del ritmo y, sobre todo, su arte supremo de la forja (en este caso, la forja musical).  El flamenco es pues el resultado de la forja de dos elementos: el gitano y el andaluz. Hasta que no empezaron a cantar los gitanos por seguiriyas, soleares y romances, no se puede hablar de flamenco. Pero hasta que no llegan a Andalucía y se asientan en Sevilla y Cádiz, los gitanos no cantan nada parecido al flamenco.  Y solamente los gitanos asentados en esta región cantan flamenco.

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La mujer que cambio el Soul

La cantante estadounidense marcó una época en el soul con grabaciones destacadas como "The First Time Ever I Saw Your Face", "Killing Me Softly" y "Feel Like Makin' Love.4

Roberta Flack publicó el álbum "Killing Me Softly" en 1973. Este disco incluye el tema más conocido de su carrera musical : "Killing me softly with his song" que le dio un Grammy en a la mejor interpretación vocal femenina. 

Y ostenta el récord de ser el único solista (hombre o mujer) que ha obtenido el Grammy en dos ediciones consecutivas (1973 y 1974).

Roberta Flack, cuyo nombre completo es Roberta Cleopatra Flack, nació el 10 de febrero de 1937 en la ciudad estadounidense de Black Mountain (Carolina del Norte). Su padre tocaba el órgano en la iglesia baptista de la ciudad, lo que orientó la carrera musical de Roberta hacia el piano.

Con tan solo 15 años su dominio del piano era tal que obtuvo una beca musical en la Universidad Howard, donde se convirtió en una de las alumnas más jóvenes que pasaron por dicho centro. Fue compaginando su técnica vocal con el dominio el piano, hasta llegar a ser directora adjunta del coro de la universidad.

A los 19 años se graduó en la universidad y posteriormente comenzó sus estudios de postgrado en música, pero el repentino fallecimiento de su padre truncó sus estudios, obligándola a trabajar como profesora de música e inglés.

A finales de los cincuenta y principios de los sesenta Roberta Flack se instala en Washington D.C., donde trabaja como profesora en dos institutos, a la vez que ofrece clases particulares de piano. Paralelamente, comenzó a participar en pequeños espectáculos musicales en locales nocturnos de la ciudad, generalmente como acompañante al piano de cantantes de ópera más reconocidos. En algunas ocasiones improvisaba interpretaciones de temas de blues, soul y pop mientras tocaba el piano.

Posteriormente pasó a ser una fija varias noches a la semana en el Club 1520, donde fue cambiando su repertorio de estilo clásico hacia el pop, lo que le brindó un mayor reconocimiento del público.

En 1968 Roberta Flack comenzó a trabajar profesionalmente en el mundo de la música, gracias a un contrato para actuar regularmente en el Mr. Henry's Restaurant, en un ambiente acogedor y que parecía el escaparate ideal donde mostrar sus dotes artísticas ante un público a menudo formado por personajes famosos del mundo del cine y la canción.

El pianista y vocalista Les McCann descubrió el talento de la joven intérprete tras asistir a una de sus actuaciones, sorprendiéndole especialmente la calidez de su voz. De esta manera, organizó una audición entre Roberta y la discográfica Atlantic Records, en la que la artista interpretó 42 temas en tan solo tres horas en la que el productor y ejecutivo de la compañía quedó impresionado, ofreciéndole su primer contrato para grabar un álbum.

En febrero de 1969 se publica el primer álbum de Roberta Flack, que lleva por título "First Take", El álbum incluye el tema "The First Time Ever I Saw Your Face", utilizada por Clint Eastwood en su primera película como director, Play Misty for Me (titulada en España como "Escalofrío en la noche"). Tanto el álbum como la canción se situaron en el primer puesto de las listas de éxitos en Estados Unidos.

En 1971 participa en la grabación de un concierto titulado "Soul to Soul" y en el documental que narra dicha grabación. Grabado en Ghana con motivo de la celebración de la independencia de dicho país, en el proyecto participa una gran variedad de músicos de R&B, soul, rock y jazz en su mayoría estadounidenses, como Wilson Pickett, Ike & Tina Turner o Santana con su banda. En 2004 una reedición de dicha grabación, restaurada por la Fundación Grammy, tuvo que eliminar las escenas en las que aparecía Roberta Flack por deseo expreso de la artista, que nunca llegó a explicar los motivos de dicha decisión.

En 1972 Roberta Flack comienza a colaborar con Donny Hathaway, un antiguo compañero< de estudios con quien graba varios temas de éxito, como "Where Is the Love" o "The Closer I Get to You", además de dos álbumes. Dichas colaboraciones prosiguieron hasta la muerte de Hathaway en 1979.

En 1973 Roberta Flack publica el álbum "Killing Me Softly", que incluye el tema más conocido en la carrera musical de la intérprete y su segundo número uno en las listas, "Killing Me Softly with His Song". Se trata de una canción compuesta por Charles Fox en 1971 y con letras de Norman Gimbel. En la primera grabación del tema también participó Lori Lieberman, pero no fue hasta esta versión de Roberta Flack que el tema se hizo universal. Posteriores versiones de esta canción también han tenido gran repercusión, como la que hicieron los Fugees, con la que ganaron el Grammy en 1997.

Roberta Flack ganó en 1973 el Grammy como Mejor Interpretación vocal Femenina por "Killing Me Softly with His Song", que se mantuvo durante cinco semanas en el número uno de la lista Billboard Hot 100. La versión de Flack, más rápida que la original, contó con los arreglos de la propia artista, quien la interpretó por primera vez en septiembre de 1972 en una actuación que realizó junto a Marvin Gaye y con la que hizo estusiarmar al público.

1974 alumbró un nuevo éxito de Roberta Flack, la canción "Feel Like Makin 'Love", integrada en el álbum del mismo título y que consiguió auparse nuevamente en lo más alto de las listas de éxito, logrando además tres nominaciones a los Grammy.

La década de los ochenta fue más parca en éxitos. Tras la muerte por suicidio de Donny Hathaway, Roberta Flack, muy afectada, redujo sus actos públicos. Profesionalmente se unió a Peabo Bryson, con quien realiza una larga gira y con quien graba "Tonight, I Celebrate My Love" para el álbum "Oasis" (1988).

No sería hasta 1991 cuando llegaría un nuevo éxito de Roberta Flack, un tema titulado "Set the Night to Music" que Roberta cantaba a dúo con el intérprete jamaicano Maxi Priest y que alcanzó el sexto puesto en la lista Billboard Hot 100.

A partir de finales de los noventa, la cantante se ha dedicado a realizar diferentes giras ofreciendo conciertos por todos los rincones del mundo. A principios de 2012, Roberta Flack publica un álbum de tributo a los Beatles, con versiones de los temas más importantes de los chicos de Liverpool (incluyendo "Hey Jude" y "Let It Be") en un álbum que apareció ocho años después de su anterior trabajo de estudio. Este homenaje vino dado por la amistad que Roberta tenía con John Lennon y Yoko Ono, de quienes era vecina en el mismo bloque de apartamentos.

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La Verdadera Mariposa de Puccini

Puccini, admirado y criticado por ser tildado de comercial y opotimista del arte, fue mucho más que un compositor comercial en busca del beneplácito del público. Creador de algunas de las melodías más inolvidables de la historia del género y de un idioma orquestal insuperable, representa la inestabilidad del cambio de siglo, una transición compleja que, en su caso, rehuyó las vanguardias y apostó por la tradición.

Tras la muerte de Verdi, Giacomo Puccini (Lucca, 1858 – Bruselas, 1924) se convirtió en el último heredero de la tradición lírica italiana. El genio de Lucca escribió para el público y logró que su obra se afirmase en las temporadas operísticas de los teatros internacionales de manera ininterrumpida. En 1900 asistió a la representación en Londres de la obra teatral Madame Butterfly, de David Belasco. El autor estadounidense se había inspirado en la pieza homónima de John Luther Long, y éste se había basado en Madame Chrysanthème, de Pierre Loti. Puccini, aun sabiendo que André Messager había convertido en ópera la obra de Loti –estrenada en 1893–, comprendió las infinitas posibilidades de la historia y se puso manos a la obra encargando el libreto a sus fieles colaboradores Giuseppe Giacosa y Luigi Illica. Madama Butterfly nacía para entrar a formar parte de la trilogía verista del compositor, junto a La Bohème y Tosca ya comentadas en el capítulo anterior.

Con Butterfly –estrenada en 1904–, el compositor exploró por primera vez las posibilidades del exotismo en la música al ambientar la obra en el lejano y hermético Japón. Para dar veracidad a la historia, Puccini se documentó acerca de los ritos religiosos y las costumbres niponas, además de incorporar algunas melodías propias de ese país, incluido el himno imperial, y de crear otras nuevas a partir de la escala pentatónica del sistema musical japonés. Puccini crea un laboratorio en el que explora los claroscuros psicológicos de la personalidad femenina. Cio-Cio San, la heroína protagonista, transita por diferentes estados emocionales, desde la inocencia y candidez de la adolescencia hasta, como adulta, la trágica aceptación de su destino.

"En 'Madama Butterfly' la orquesta es responsable del peso dramático, con una función indispensable como motor de la acción que acentúa el drama interno de la protagonista y su transición de la niñez a la madurez"

La ópera denuncia ciertas abominables prácticas de los occidentales cuando Japón abrió sus fronteras. Entre ellas, se incluía el matrimonio con una geisha para utilizarla sexualmente, con la posibilidad de romper el contrato a voluntad y sin importar la edad de la chica. También criticaba la corrupción e hipocresía de la sociedad occidental y su prepotencia sobre otras culturas, aspecto remarcado con la fragilidad infantil de Cio-Cio San y sus tiernas melodías, en contraste con la música relacionada con Pinkerton –como el himno de la marina estadounidense, después himno de esa nación–, símbolo de un Occidente deshumanizado y colonialista. La orquesta, responsable del peso dramático y con una función indispensable como motor de la acción, acentúa el drama interno de la protagonista y su transición de la niñez a la madurez con un exquisito juego de timbres de carácter japonés y episodios en los que el tiempo parece suspenderse siguiendo los ritmos lentos de la civilización oriental. Puccini logra la continuidad musical a partir de la unidad melódica, además de ordenar los tiempos teatrales en los que se desarrolla la acción con excelente síntesis dramática y de actuar con rapidez al conectar al público con los personajes desde una profundidad psicológica.

Sin embargo lejos de este tragedia, propio de la ópera, si existió una Madame Butterfly.

La verdadera Mariposa

Los habitantes de Nagasaki eran partidarios de que se recordara su ciudad como la tierra natal de Butterfly, y no solo como la que fue arrasada por la bomba atómica.

Se cuenta que la verdadera Madame Butterfly, llevaba por nombre Tojin Okitchi y había nacido en Nagasaki en 1838, siendo educada como geisha, fue muy famosa por sus encantos y cuando contaba con dieciocho años de edad le fue presentada a Towsend Harrys, que según parece fue el primer norteamericano que obtuvo permiso para residir en el Japón, ya que hasta 1853 el imperio japones no admitía la presencia de extranjeros en sus territorios.

Tojin Okitchi, debió entregarse a Harrys sin sentir absolutamente ninguna atracción por él, ya que al parecer, incluso le pareció repulsivo por su gran estatura y sus cabellos rojizos, pero este quedó prendado de la adolescente y se estableció con ella en una casita de bambú, donde tuvieron una niña.

Towsend, era entonces el Cónsul norteamericano en Shimoda, pero cuando cesaron sus funciones debió regresar a los Estados Unidos y ni su hija ni su esposa temporal, viajaron con él a los Estados Unidos.

Para entonces la geisha amaba al norteamericano, pero él, sin el valor suficiente para enfrentarse a los prejuicios raciales en su país, la dejó abandonada, motivo por el cual, Tojin Okitchi se quitó la vida lanzándose al río en 1859, cuando contaba tan solo veintiún años de edad.

Fue durante el mes de agosto de 1945, cuando la Humanidad sufrió, en Hiroshima y Nagasaki, uno de los golpes más cruentos de la Era Moderna. Dos bombas atómicas, lanzadas por la aviación norteamericana, sepultaron las dos ciudades y miles de personas perdieron la vida en ese acto.

El drama humano que se nos presenta en la escena de Butterfly, a la vista de fechas luctuosas como el 6 y el 9 de agosto, puede que propicie el que podamos descubrir nuevos y más subliminales mensajes en la obra,  y que tal vez podamos también, extrapolarla a la vida real.

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Soy realista y soñadora, Amy Winehouse

 Amy Winehouse es uno de esos iconos muy difícil de olvidar. Una carrera extremadamente corta, un talento sobresaliente, actitud indiferente, con una vida personal bastante complicada. 

Definitivamente la fórmula de los grandes, que irónicamente brillan por muy poco tiempo. Aunque muchos la conocen, Amy es una cantante y compositora británica, entre otras cosas, que se caracterizó por sus mezclas de diversos géneros musicales, entre los que destacan el jazz, R&B, soul y ska. 

Sus excesos en las drogas y el alcohol terminó su brillo. En el 2011 año en qué fallece por sobredosis.Sin embargo su legado musical, y la trascendencia de sus trabajos que nos recuerda a Billie holiday y otras grandes de la era dorada del jazz y soul.  Quedarán para la posteridad, su vigencia hasta el momento nos asegura que formará parte de esos artistas que jamás mueren. 

«Soy realista y soñadora. Hay ciertas cosas que puedes dar a ciertas personas y ciertas cosas que no.» Amy Winehouse.

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