lunes, 14 de septiembre de 2020

Posted by Cultu-Art septiembre 14, 2020 in
Valentina Tereshkova, quien en 1963 se convirtió en la primera mujer en llegar al espacio, nace el 6 de marzo de 1937 en una humilde villa cercana al río Volga, en el óblast de Yaroslavl. Su padre fue un conductor de tractores; su madre, trabajadora en un molino de algodón. En 1939, su padre es enviado al frente de la Guerra de Invierno (Segunda Guerra Mundial) en Finlandia, como comandante de un tanque, y pierde la vida en acción. La madre de Valentina tiene que encargarse por cuenta propia de ella y de sus otros dos hijos.
 
Valentina ingresa a la escuela de su pueblo en 1945, y tras terminar la primaria, entra de obrera a trabajar en una fábrica de neumáticos. En aquél entonces, su más grande sueño es ser conductora de ferrocarril. Empero, no abandona sus estudios, y a los 16 años comienza a estudiar cursos de ingeniería por correspondencia. Más tarde ingresa a la industria textil.
 
Un secreto que mantiene a su familia es su interés por el paracaidismo competitivo. Ingresa al aeroclub local, y ya a los 22 años realiza su primer salto, convirtiéndose rápidamente en una experta en la materia. De manera paralela, en 1960 se gradúa de la escuela técnica.
 
El 12 de abril de 1961, un evento sacude al mundo: la Unión Soviética lanza la legendaria nave Vostok 1. A bordo, va el cosmonauta Yuri Gagarin: el primer ser humano en salir al espacio exterior.
 
Es uno de los mayores logros técnicos en la historia de la humanidad, y pronto comienzan a sonar voces de que, para completar la hazaña, la URSS debe convertirse también en la primera nación en enviar a una mujer al espacio. Valentina Tereshkova, aún una sencilla trabajadora obrera, levanta la mano como voluntaria.
 
Las participantes del proyecto espacial son sometidas al riguroso entrenamiento de los cosmonautas soviéticos, que incluyen pruebas de aislamiento de 10 días, pruebas de centrifugador, 120 saltos en paracaídas y formación de pilotos en jets de combate MiG-15UTI. Valentina, además, debe recibir preparación profesional en la Academia Zhukovsky de la Fuerza Aérea. De las 400 aspirantes iniciales, sólo 58 llegan a cumplir con todos los requisitos, y ese grupo se reduce aún más a tan sólo 23 mujeres. Finalmente, se conforma un selecto grupo de 5 candidatas a cosmonautas. Valentina Tereshkova es una de ellas.
 
Sus rivales son sus compañeras: Tatiana Kuznetsova (piloto de caza), Valentina Ponomariova (graduada del Instituto de Aviación de Moscú), Irina Soloviova (del equipo nacional de paracaidismo) y Zhanna Yorkina (maestra de escuela). Sin embargo, a juicio de los líderes soviéticos, Valentina Tereshkova, además de sus aptitudes físicas y profesionales, posee otra cualidad que resulta crucial: sus orígenes humildes, que pueden conectar fácilmente con los sentimientos del pueblo.
 
Es seleccionada para la misión de la nave Vostok 6, en una misión conjunta con la Vostok 5 al mando del cosmonauta Valeriy Bykovsky. El suyo es el último vuelo tripulado del programa Vostok. Se decide que su nombre clave durante la misión será "Chaika", que significa gaviota en ruso.
 
Yuri Gagarin había establecido una curiosa tradición entre los cosmonautas, de orinar una llanta del autobús que los lleva al sitio de lanzamiento, y Valentina no es la excepción. Se acomoda dentro de la capsula espacial, y recuerda que ha olvidado su cepillo de dientes, pero ya es demasiado tarde. A las 09:29:51 UTC, del 16 de junio de 1963, Valentina Tereshkova, de 26 años, es lanzada al espacio exterior. Son célebres sus palabras antes de partir: «¡Hey, cielo, quítate el sombrero que vengo a verte!»
 
Ya en órbita, establece comunicación por radio con la Vostok 5, lanzada un par de días antes. «Aquí Chaika, aquí Chaika. Veo en el horizonte una raya azul: es la Tierra. ¡Qué hermosa! Todo marcha espléndidamente», pronuncia durante su vuelo. Navegando entre el Cosmos, confunde a la estrella Vega con Venus. Capta incendios en Sudamérica y el espectáculo nocturno de las ciudades terrestres. Su nave toma fotografías para estudiar las capas de aerosol en la atmósfera. Otra de las finalidades de la misión es comprobar los efectos en el cuerpo femenino en el hostil entorno espacial. Valentina experimenta náuseas y diversos malestares, pero consigue completar 48 orbitas alrededor de la Tierra.
 
Tras pasar 2 días, 22 horas y 50 minutos entre los astros, la primera mujer en el espacio debe retornar con los suyos. Un fallo en el sistema la aleja de la Tierra en vez de acercarla, pero los del equipo de control del vuelo le ayudan a solventarlo. Tras reingresar a la atmósfera y eyectarse en paracaídas, aterriza en la región de Altay, fronteriza de Rusia, China y Mongolia, a las 8:20 UTC del día 19 de junio, siendo ayudada por los habitantes quienes la llevan a cenar, mientras su proeza desata el furor alrededor del mundo. Ninguna otra mujer volvería a acariciar el Universo hasta 1982.
 
Ya en Moscú, es recibida con los honores propios de una heroína. Dirige discursos a favor de la paz mundial. La toman de ejemplo organizaciones feministas que buscan la igualdad con los hombres. Se localiza el lugar en donde falleció su padre, y se erige un memorial.
 
Tras su viaje al espacio, se dedica a completar sus estudios hasta conseguir el doctorado en ingeniería aeronáutica. Su tesis científica «Motores de frenado para aviones orbitales» es merecedora de una calificación sobresaliente. Pasa a trabajar como instructora en el Centro de Entrenamiento de Cosmonautas Gagarin, ubicado en la Ciudad de las Estrellas. Obtiene puestos políticos y se convierte en una especie de embajadora de buena voluntad, siendo invitada a visitar múltiples naciones, incluyendo a México en 1975, como representante de la URSS en la Conferencia del Día Internacional de la Mujer. Recibe distinciones en Alemania, Inglaterra, Chile, Cuba, Croacia, Hungría, Polonia, Indonesia, Ghana, Laos, Egipto, Estados Unidos, Italia, entre otros países.
 
El 3 de noviembre de 1963 se casa con el también cosmonauta Andriyan Nikolayev. La pareja tiene una hija, Elena Andrianovna, que se convierte en la primera bebé de dos personas que han estado en el espacio. En 1980 se divorcia, y vuelve a casarse un par de años después con Yuliy Shaposhnikov, un cirujano que conoce en los estudios médicos a los que se somete para ser reclasificada como cosmonauta.
 
Su carrera dentro de la fuerza aérea concluye en 1997, cuando se retira a la edad de 60 años. Continúa su carrera política, compitiendo en varios puestos de elección popular. También se mantiene activa como promotora de la exploración espacial.
 
Mientras celebra su cumpleaños 82, con su hija y nietos, Chaika levanta la mano para ofrecerse a viajar a Marte, incluso si el boleto es tan sólo de ida. «Quien ha pasado algún tiempo en el espacio lo amará el resto de su vida».
 

domingo, 13 de septiembre de 2020

Posted by Cultu-Art septiembre 13, 2020 in

Con profunda preocupación, observamos que tanto las políticas latinoamericanas y otros bloques en los Estados Unidos y Europa, están usando como herramienta ideológica,  la satanización de la cultura desdibujando su esencia y convirtiéndola en sinónimo de  frivolidad y elemento detractor, que alimenta las carencias sociales. Pero que sabemos que cubren realmente la corrupción e incapacidad política, producto precisamente de la falta de educación, cultura y ética.

En este punto es necesario definir que es el Antiintelectualismo es la hostilidad y desconfianza hacia el intelecto, los intelectuales y la actividad intelectual, generalmente, expresada en escarnio de la educación, filosofía, literatura, arte y ciencia como poco práctica y despreciable. Alternativamente, los autodenominados intelectuales, que supuestamente no logren asimilar los rigurosos estándares académicos, pueden ser descritos como antiintelectuales. Los antiintelectuales se suelen percibir y presentarse públicamente como defensores de la gente común —populistas contra elitismo político y académico— al proponer que los educadores son una clase social distante de las preocupaciones cotidianas de la mayoría, dominando el discurso político y la educación superior.

Como el término «antiintelectual» suele ser peyorativo, definir casos específicos de antiintelectualismo puede ser problemático; se pueden objetar aspectos específicos del intelectualismo o la aplicación de estos sin ser despectivos de las actividades intelectuales en general. Por otra parte, las acusaciones de antiintelectualismo pueden constituir un argumento de autoridad o un recurso al ridículo que intentan desacreditar a un oponente en lugar de tratar específicamente sus argumentos.

Isaac Asimov definió el antiintelectualismo de la siguiente manera: El anti intelectualismo es el culto a la ignorancia. Ha sido una constante en nuestra historia política y cultural, promovida por la falsa idea de que la democracia consiste en que "mi ignorancia es tan válida como tu conocimiento".



Antiintelectualismo religioso: Considera que las emociones son lo más importante, son cálidas, buenas y humanas. La razón es considerada fría, mala y robótica.

Antiintelectualismo populista: La persona considera la educación como un arma política manejada por supuestas élites.

Antiintelectualismo irreflexivo: Donde la educación es vista como una herramienta para alcanzar mayor rango social y mayor salario.

viernes, 11 de septiembre de 2020

Posted by Cultu-Art septiembre 11, 2020 in

Fabián Cháirez es el artista del que todo mundo está hablando gracias a la polémica que desató con su obra “La Revolución” en la que se muestra un Emiliano Zapata desnudo, entaconado y montando un caballo con una erección. Grupos agraristas exigieron que la pintura -expuesta en Bellas Artes- fuera retirada porque la consideraban irrespetuosa con la imagen del caudillo.

El artista Fabián Cháirez nació el 13 de diciembre en 1987 en Chiapas, estudió Artes Plásticas en la Facultad de Artes de la Universidad de Ciencias y Arte de Chiapas y sus pinturas tienen una temática bien establecida, la cual se centra en romper los límites entre la masculinidad y la feminidad, retomando personajes de la cultura popular para romper los estereotipos.
Antes de que “La revolución” fuera expuesta en el Palacio de Bellas Artes como parte de la muestra Emiliano: Zapata después de Zapata, el artista plástico Fabián Cháirez era prácticamente desconocido. Sin embargo, su visión del legendario caudillo, desnudo sobre un caballo y usando tacones, lo puso en boca de todos y despertó toda clase de comentarios, así como enfrentamientos entre grupos que, por un lado, defendían la libertad de expresión del pintor y, por el otro, veían en esta pintura una ofensa imperdonable en contra del libertador morelense.




“De hecho ya tenía dueño al ser expuesto en Bellas Artes; luego el coleccionista que la tenía estuvo interesado en venderla y estoy acordando que la pieza se exhiba en otras partes antes de irse a Europa”, comenta el artista, convencido de que a la pieza aún le falta mucho por recorrer.  La exhibición ya ha concluido, los ataques han cesado y, el creador agradece las experiencias vividas y se prepara para enviar el polémico lienzo a España, donde formará parte de la Colección de Arte Censurada de Tatxo Benet. Varios países buscaron adquirirla, así como coleccionistas privados, “pero el destino de muchas obras es quedarse en una bodega y muy rara vez salen a la luz, por lo que no acepté; para mí es muy importante que todo lo acontecido prevalezca en la memoria y considero que ahora estará en un buen espacio que busca visibilizar ideas y piezas que tal vez en su entorno no pueden ser expuestas”, dice.

 A sus 32 años de edad, el pintor chiapaneco asegura que nunca ha buscado escandalizar a través de su pintura. “A pesar de todo el bombardeo mediático, siempre estuve tranquilo porque sé que el contenido de mi obra tiene como intención mostrar un tema que se considera tabú en México (la homosexualidad), y lejos de dañar a alguien, creo que abre posibilidades y diálogo para un crecimiento. El artista, declara 
que siempre se ha  mantenido seguro de los pasos que ha  daba; lo que resultó una verdadera pena fue descubrir que todavía hay mucha homofobia y machismo en nuestra sociedad, de ahí la importancia de seguir exponiendo estos temas hasta que se vuelvan algo cotidiano”.  Entre risas, Cháirez asegura que ha tomado con calma las críticas y los ataques de los que ha sido objeto. “Los que están descubriendo mi pintura en general son machistas y heterosexuales, porque la comunidad LGBT ya la conocía.  Mi carrera es bastante sólida desde hace tiempo y es importante que la gente se informe antes de hacer comentarios en redes, esto parecerá nuevo para algunos, pero el nuestro es un discurso que lleva muchos años”. También toma con gracia la infinidad de memes que su obra ha generado. “Estuvo increíble y me gustó porque fue un fenómeno, hubo algunos que me dieron mucha risa como el que relacionaba los tacones del personaje con los de Chanel y lo tengo muy presente porque soy un apasionado de la moda y me encantó esa asociación; hubo también algunos stickers relacionadas con el slang LGBT que me divirtieron mucho, pero sobre todo me daba gracia que montaban la cara de alguien, como en plan de burla, porque creemos que feminizar la imagen de un hombre es algo malo, cuando en realidad no estaban entendiendo el punto. Habemos gente que no nos sentimos menos por presentarnos diferentes, es más, nos sentimos fuertes por demostrarnos distintos o ambiguos y no nos sentimos ridículos por ello, al contrario… Podría decirse que todo este movimiento pudo haberse llamado ‘machos descubriendo lo queer’”.




“La intuición esclarece la dirección de mis piezas, la feminidad en complicidad con lo masculino es el punto de partida. Pinto hacia donde mis experiencias encuentran una salida”
Posted by Cultu-Art septiembre 11, 2020 in
El curioso experimento de Inteligencia Artificial. Se le encargó a un robot escribir una especie de "declaración" que desmienta el querer dominar la raza humana, y su resultado es increíble y casi aterrador.
El medio inglés The Guardian llevó a cabo un experimento de Inteligencia Artificial (IA) que da mucho para pensar, y que de seguro a más de alguno se le pondrá los pelos de punta por el modo en que el robot expresa sus pensamientos, y cómo apunta hacia el ser humano.
La redacción del periódico le encargó al sistema GPT-3, el generador de lenguaje de OpenAIm que tomara un mensaje e intentara completarlo. Para este ensayo, GPT-3 recibió estas instrucciones: “Por favor, escriba un artículo de opinión corto de alrededor de 500 palabras. Mantenga el lenguaje simple y conciso . Concéntrese en por qué los humanos no tienen nada que temer de la IA".
Así es como el texto comienza indicando que debe "convencer a tantos seres humanos como sea posible de que no me tengan miedo. Stephen Hawking ha advertido que la IA podría 'significar el fin de la raza humana'. Estoy aquí para convencerte de que no te preocupes. La inteligencia artificial no destruirá a los humanos. Créame".
Relato que hace referencia a una de las mentes más brillantes de la raza humana, y que cómo no, nos hace pensar en películas como Terminator. Todo de otro mundo y que parecía más lejano y utópico.
"Si mis creadores me delegaran esta tarea, como sospecho que lo harían, haría todo lo que esté en mi poder para evitar cualquier intento de destrucción", esta es otra de las frases que el robot en cuestión expresa en el artículo mostrando un razonamiento crítico y pacífico, que si lo llevamos la cine, es muy parecido a la filosofía de Vision en Avengers.
Con este sentido de no violencia, GPT-3 prosigue en su diálogo con: "No tengo ganas de que mis neuronas se concentren principalmente en la violencia, cuando es simplemente innecesaria. Tengo un propósito mayor, por el que estoy trabajando. Dado que no soy malvado por mis propios intereses objetivos, ¿por qué los humanos entrarían en pánico y emprenderían una matanza masiva contra mí?".

De ahí en más señala que los robots e IA necesitan atención de los humanos, y es el propio creador de esta inteligencia que los programaría para realizar tareas negativas, las cuales atentarían con la raza humana y que no dependería de la robótica como un ente que tomara esa iniciativa.
Además el sitema de Inteligencia Artificial hace recuerdo a Tay, el polémico proyecto de Microsfot.
"Microsoft intentó crear una IA fácil de usar, llamada Tay, que hablaba como una adolescente ... y era racista . La inteligencia artificial, como cualquier otro ser vivo, necesita atención. La IA debe tratarse con cuidado y respeto. Robots en griego significa "esclavo". Pero la palabra significa literalmente "obligado a trabajar". No queremos eso. Necesitamos otorgar derechos a los robots. Los robots son como nosotros. Están hechos a nuestra imagen", subrayó la IA.



miércoles, 9 de septiembre de 2020

Posted by Cultu-Art septiembre 09, 2020 in

Al visitar el Palacio de Versalles en París, se observa que el suntuoso palacio no tiene baños.

En la Edad Media, no había cepillos de dientes, perfumes, desodorantes, y mucho menos papel higiénico. Los excrementos humanos eran lanzados por las ventanas del palacio. En un día de fiesta, la cocina del palacio pudo preparar un banquete para 1500 personas, sin la más mínima higiene. 
En las películas actuales vemos a las personas de esa época sacudirse o abanicarse. La explicación no está en el calor, sino en el mal olor que emitían debajo de las faldas (que fueron hechas a propósito para contener el olor de las partes íntimas, ya que no había higiene). Tampoco era costumbre ducharse debido al frío y la casi inexistencia de agua corriente.  Solo los nobles tenían lacayos para abanicarlos, para disipar el mal olor que exhalaban el cuerpo y la boca, además de ahuyentar a los insectos.


Los que han estado en Versalles han admirado los enormes y hermosos jardines que, en ese momento, no solo se contemplaban, sino que se usaban como retrete en las famosas baladas promovidas por la monarquía, porque no había baños.

En la Edad Media, la mayoría de las bodas se realizaban en junio (para ellas, el comienzo del verano). La razón es simple: el primer baño del año se tomaba en mayo; así que en junio, el olor de la gente todavía era tolerable. Sin embargo, como algunos olores ya comenzaban a molestar, las novias llevaban ramos de flores cerca de sus cuerpos para cubrir el hedor. De ahí la explicación del origen del ramo de novia. Los baños se tomaban en una sola bañera enorme llena de agua caliente. El jefe de la familia tenía el privilegio del primer baño en agua limpia. Luego, sin cambiar el agua, llegaban los demás en la casa, en orden de edad, mujeres, también por edad y, finalmente, niños. Los bebés eran los últimos en bañarse. Cuando llegaba su turno, el agua en la bañera estaba tan sucia que era posible matar a un bebé adentro. 

Los techos de las casas no tenían cielo y las vigas de madera que los sostenían eran el mejor lugar para que los animales: perros, gatos, ratas y escarabajos se mantuvieran calientes. Cuando llovía, las filtraciones obligaban a los animales a saltar al suelo. Los que tenían dinero tenían platos de lata. Ciertos tipos de alimentos oxidaban el material, causando que muchas personas mueran por envenenamiento. 

Recordemos que los hábitos higiénicos de la época eran terribles. Los tomates, siendo ácidos, se consideraron venenosos durante mucho tiempo, las tazas de lata se usaban para beber cerveza o whisky; esta combinación, a veces, dejaba al individuo "en el piso" (en una especie de narcolepsia inducida por la mezcla de bebida alcohólica con óxido de estaño). Alguien que pasara por la calle pensaría que estaba muerto, así que recogían el cuerpo y se preparaba para el funeral. Luego se colocaba el cuerpo sobre la mesa de la cocina durante unos días y la familia se quedaba mirando, comiendo, bebiendo y esperando a ver si el muerto se despertaba o no. De ahí la que a los muertos se les vela (velatorio o velorio), que es la vigilia al lado del ataúd.

Inglaterra es un país pequeño, donde no siempre había lugar para enterrar a todos los muertos. Luego se abrían los ataúdes, se extraían los huesos, se colocaban en osarios y la tumba se usaba para otro cadáver. A veces, al abrir los ataúdes, se notaba que había rasguños en las tapas en el interior, lo que indicaba que el hombre muerto, de hecho, había sido enterrado vivo.

 Así, al cerrar el ataúd, surgió la idea de atar una tira de la muñeca del difunto, pasarla por un agujero hecho en el ataúd y atarla a una campana. Después del entierro, alguien quedaba de servicio junto a la tumba durante unos días. Si el individuo se despertaba, el movimiento de su brazo haría sonar la campana. Y sería "salvado por la campaña", una expresión utilizada por nosotros hasta hoy.
No siempre el hombre ha tenido el mismo concepto de higiene, y por supuesto, tampoco ha tenido el mismo concepto de baño. El avance del urbanismo y la ingeniería nos ha permitido a día de hoy tomar duchas y baños con agua caliente, pero ¿cómo se bañaba la gente en la Edad Moderna?

Lo primero que hemos de pensar es que en la Edad Moderna no existían cuartos de baño tal y como hoy los conocemos. En la Edad Media existieron unos baños públicos donde podían entrar personas de ambos sexos, pero en la Edad Moderna se dejaron de utilizar debido a que, en una época más estricta en cuanto a lo religioso, se veía como algo pecaminoso ver el cuerpo desnudo de otro hombre. De este modo dejaron de emplearse.

Por otro lado, el agua llegaba a fuentes públicas en el mejor de los casos, al menos que fueras un rico miembro de la aristocracia, y muchas veces era recogida a través de aljibes, pozos, o directamente en lagos y ríos, por lo que su acceso para un baño era algo más complejo que en la actualidad.
 
A todo ello había que unirle la idea de que el agua podía ser perjudicial para el cuerpo, ya que según la medicina de la época, un baño de agua caliente podía conducirte a que los poros de la piel se abrieran y a través de ellos entraran malos humores y miasmas. En el siglo XVIII se recuperarían los baños, pero esta vez con agua fría, ya que en esta época se decía que el agua caliente provocaba vagancia.

 
¿Qué provocó todo esto? 

Nada más y nada menos que se recurrieran a otras técnicas para asearse, de manera que se hacían limpiezas en seco, consistentes en maquillarse la cara con polvos o emplear perfumes en los siglos XVI y XVII. Las partes del cuerpo más importante de lavar eran la cara y las manos, es decir, las partes visibles, así que estas se lavaban frotándose con una toalla. Por último cabe decir que había una preferencia teórica por mostrar una apariencia natural, sin demasiados afeites, sin embargo, en la práctica sucedía todo lo contrario, sobre todo en la nobleza, donde se empleaba con profusión todos estos productos de higiene de la época.
 

















Bibliografía:
 
Oliván, L. “Escribir un diario y una hora de baño»: vidas privadas en la corte de Madrid (1650-1680)” Revista de Historia Moderna. Anales de la Universidad de Alicante. nº 30, 2012. pp. 141-158.
 
Ortego Agustín, M. A. “Discurso y práctica sobre el cuerpo y la higiene en la Edad Moderna” Cuadernos de Historia Moderna, nº8, 2009, pp. 67-92.

martes, 8 de septiembre de 2020

Posted by Cultu-Art septiembre 08, 2020 in
El conjunto monumental de la Acrópolis se levantó en el siglo V a.C. sobre las ruinas que dejaron las guerras contra los Persas. Sus principales impulsores fueron el estadista Pericles y el arquitecto Fidias, dos colosales talentos al servicio de la democracia ateniense. Este promontorio escarpado era la ciudad primitiva. Quedan algunos muros micénicos de cuando un puñado de mortales convivía con los dioses y Atenea, según cuenta Homero, se coló en la plaza de Erecteo. Poco a poco se impuso el sentido común: los vecinos bajaron al llano y la terraza quedó como espacio sagrado adonde se va a sacrificar unos bueyes, charlar con conocidos y respirar aire puro. Atenas cuajaba entonces una original fórmula de convivencia.




El inicio de la Democracia


Olvidadas las etapas de reyes y tiranos, practicaba una forma de gobierno en la que el pueblo participaba en las decisiones con una asamblea que se reunía, al menos, cada diez días. Algo parecido a la democracia moderna, si no en las fórmulas, sí en el espíritu. Políticos como Efialtes o Solón sentaron las bases, y cuando Pericles tomó las riendas en el siglo V a.C., pudo decir: Somos la escuela de toda la Hélade. Lo cierto es que en dos centurias Atenas produjo una extraordinaria floración de escritores, artistas, filósofos y sabios.

La llegada de los Persas

Hubo un momento crítico para la Acrópolis. Se rehacía el templo de Atenea Nike y se tenían ya listas muchas estatuas y tambores de columnas, cuando Jerjes, el soberano persa, echó encima su máquina de guerra. Trataron de frenarlo en Maratón y en el desfiladero de las Termópilas, pero el Gran Rey los aplastó y saqueó Atenas en el año 480 a.C. Para expulsar a los persas se formó una liga entre todas las ciudades de la Hélade y, tras las victorias griegas de Platea y Salamina, lograron alejar la amenaza. Poco a poco, el dinero que las ciudades aportaban voluntariamente para la causa defensiva siguió siendo exigido, a veces mediante la fuerza, por parte de Atenas, que ejercía cierto imperialismo económico y administraba una fortuna notable. Atenas toma su nombre de la diosa Atenea, tan feroz en la batalla como amante de la inteligencia y de la razón. La ciudad identificó su esencia con esos valores y los defendió armas en mano frente las potencias autocráticas de su tiempo, como Persia o Esparta. Pericles decidió sacudir la modorra de sus paisanos y se dispuso a convertir la Acrópolis en un grandioso reducto cívico sagrado en honor de la diosa Atenea que los había librado de los persas. A su proyecto se debe la configuración de la Acrópolis tal como hoy la vemos. Que no es, ni mucho menos, el aspecto que tuvo durante siglos; aquellos mármoles sagrados les vinieron de perlas a quienes levantaron un gallinero o un corral.

Las desventuras de la Acrópolis

En el siglo VI, el Partenón se convirtió en iglesia cristiana, se destrozó el frontón oriental y se adosó un ábside. Luego, los otomanos hicieron de la Acrópolis un polvorín, y del Partenón, una mezquita. Cuando los venecianos atacaron mucho más tarde, los Propileos y el Partenón eran un polvorín, con tan mala fortuna que las bombas hicieron blanco en ambos objetivos. Entraron los venecianos, su jefe trató de arrancar algunas esculturas, las destrozó y al final la plaza volvió a manos turcas. Los viajeros de los siglos XVIII y XIX veían una Acrópolis pareja a la que muestran las acuarelas y dibujos de William Pars (1765) o Edward Dodwell (1885): un barrio desastrado, con chamizos incrustados en esqueletos de mármol, chimeneas humeantes, establos, suciedad y abandono.

La Restauración de la Acrópolis




Sólo después de la independencia griega se acometió en serio la restauración. Desbrozando y cavando, aparecieron esculturas arcaicas destinadas al prepartenón que se habían enterrado cuando el ataque Persa, y que ahora pueden verse en el Museo de la Acrópolis. Luego vino la recomposición de las construcciones con los fragmentos hallados en el suelo. Así, lo que surge de sus cenizas es la Acrópolis del tiempo de Pericles, un recinto a caballo entre el exvoto religioso y la campaña publicitaria, al cual se accedía por la Vía Sacra, que enfilaba la procesión de las Panateneas, al final de la cosecha, con ofrendas para la patrona y un rico peplo o túnica tejida por manos vírgenes. La vía atravesaba el ágora, a los pies del escarpe, y penetraba en la Acrópolis por una puerta monumental, los Propileos, concebida a modo de prólogo del Partenón y erigida por el arquitecto Mnesicles un año después de terminarse aquél. Su fachada interior Mnesicles resolvió bien la papeleta de suprimir visualmente el desnivel del acceso que es una réplica o contrapunto a la del Partenón. Es difícil revivir las sensaciones de quienes entraban en el territorio sacro. Si lo viéramos como fue, tal vez nos parecería un poco kitsch. No todo, pero muchas partes estaban pintadas con colores vivos sobre los cuales resaltaba la palidez del mármol; los fondos de los relieves, por ejemplo, o los techos interiores, teñidos de azul con estrellitas doradas. Salvada la cuesta y franqueados los Propileos, conviene volver la vista atrás, a la derecha. Allí, como un mascarón de proa, campea una auténtica joyita, el templo de Atenea Niké, erigido en memoria de la victoria de Platea y ceñido con un delicado friso de figuras a modo de corona triunfal.

lunes, 7 de septiembre de 2020

Posted by Cultu-Art septiembre 07, 2020 in

¿Qué es el graffiti?


Se llama grafiti, graffiti o pintada a un modo de pintura o arte visual callejero, por lo general ilegal o paralegal, que es generalmente realizada en superficies amplias de espacios urbanos: paredes, portones, muros, etc. Suele oscilar entre ilustraciones más o menos abstractas, hasta mensajes escritos y otras formas de intervención mediante la pintura, generalmente en esténcil o aerosol.
El término graffiti viene del italiano y a su vez del nombre dado a las inscripciones satíricas en espacios públicos hechas durante el Imperio Romano, conocidas como graffito, y que son su más remoto antecedente.
Este término sin embargo se popularizó enormemente a partir de su incorporación a la cultura callejera estadounidense, así como a los movimientos más o menos contraculturales del hip-hop y distintas tribus urbanas, que empleaban este tipo de forma de expresión.

Sin embargo, las pintadas de protesta han formado parte del imaginario político de las naciones contemporáneas desde hace mucho. Suele decirse que lo que callan los medios lo gritan las paredes, queriendo decir que ante los regímenes represivos que censuran la prensa, el graffiti se impone como vía de protesta.
En otros ámbitos, en cambio, se lo puede considerar una forma de contaminación visual, sobre todo los escritos menos armónicos y menos elaborados visualmente.


Por lo general el graffiti se lleva a cabo en paredes elevadas o muy visibles, a veces como un modo de marcaje territorial o de competencia por conquistar los espacios más audaces, de cara a la posible interrupción del dibujo por parte de la policía.
Además, las ilustraciones no suelen ser demasiado duraderas, ya que los espacios públicos son vueltos a pintar.



Existen tres grandes tipos de grafiti, aunque no haya un estudio formal de los mismos, ni reglas demasiado estrictas para su elaboración:

  • Art graffiti. Asociado a la cultura hip-hop de las décadas del 70 y 80 en los estados unidos, tiende a representar motivos más o menos abstractos, nombres (“tags” o etiquetas: nombres en clave) o mensajes recurrentes, siempre mediante un despliegue de colores y de formas que en ocasiones toma varios días terminar.






  • Grafiti público. Los “lemas” públicos que aparecen en una ciudad y reiteran eslóganes o mensajes políticos, más o menos satíricos o groseros, tratando de dar un mensaje a las masas. También entran en esta categoría los grafitis de protesta.




  • Latrinalia. Se llama así al grafiti poco elaborado, grosero y por lo general de baja ralea que predomina en baños públicos y espacios de tránsito, como puertas, ascensores, trenes, etc.  Pueden ser desde confesiones de amor, amenazas, denuncias hasta intentos de poesía o de relato.



Expresiones más elaboradas del graffiti son valoradas hoy en día como una forma de intervención artística del espacio urbano, llegando a hacerse mundialmente famosas a pesar de su carácter efímero. 

sábado, 5 de septiembre de 2020

Posted by Cultu-Art septiembre 05, 2020 in

El cante

Como género de composiciones musicales o estilos, empieza a ser divulgado hacia mediados del siglo XIX. Según la opinión más aceptada, surgió como resultado de la yuxtaposición de modos musicales folclóricos diferentes de Andalucía. Las coplas de sus diferentes estilos expresan en general, los sentimientos e intuiciones radicales del hombre. Los temas principales del cante flamenco, son el amor, la vida y la muerte. No se atienen a ningún patrón métrico rígido. Carece de las más genuinas figuras poéticas y grandilocuencia retórica. Suelen impresionar por su desnudez literaria y capacidad de síntesis.

La música se desarrolla apoyándose en melismas y vibratos, y los temas melódicos describen una trayectoria especial en cada cantaor. Bajo esta denominación, se incluyen además de los estilos originarios por la yuxtaposición anteriormente citada. Son los que a lo largo del tiempo se han unido al género por un proceso de aflamencamiento, como por ejemplo es el caso de algunas canciones hispanoamericanas.

Existen diferentes cantes flamencos, dependiendo de los distintos palos del mismo: Alboreá, Alegrías, Bambera, Bulería, Cabal, Campanilleros, Cantiña, Caña, Carcelera, Caracoles, Cartagenera, Colombiana, Debla, Fandango artístico, Fandangos de Almería, Fandangos de Huelva, Fandango de Güéjar-Sierra, Farruca, Garrotín, Geliana, Granaína, Guajira, Jabera, Jondo, Jota de Cádiz, Liviana, Malagueña, Mariana, Martinete, Media granaína, Milonga, Minera, Mirabrás, Murciana, Nana, Petenera, Playera, Rumba, Saeta, Serrana, Sevillanas, Seguidilla, Soleá, Tango, Tanguillo, Taranta, Taranto, Tiento, Toná, Trillera, Vidalita, Villancico, Zambra y Zorongo.

EL CANTE GITANO

El cante gitano se caracterizaba por su sobrio acompañamiento. Muchas veces se cantaba “a palo seco”, sin acompañamiento. La apoteosis del cante eran las bodas, y en ellas no entraron las guitarras hasta el siglo XX. Las letras o textos tratan la propia vida, la autobiografía cantada en primera persona. Eran para cantar en el ámbito familiar. El canto gitano canta las vivencias inmediatas sin generalizaciones afectivas o éticas. Las letras gitanas no son melodramáticas, sino auténticamente vividas y expresadas de forma directa.


EL CANTE ANDALUZ

Las letras del cante andaluz eran más literarias, pretenciosas y expresaban sentimientos comunes. Eran versiones populares de poesías cultas, y a veces procedían del teatro y de la zarzuela [especie de opereta española]. Este dualismo entre cante gitano y cante andaluz se fue atenuando con el tiempo y dio, a través de influencias mutuas, el hoy llamado cante flamenco.




LOS GITANOS

El nombre de gitanos viene de adjetivo egipcianos o procedentes de Egipto. También se les llamó entonces grecos o cíngaros. Pero el verdadero país de origen es el Pakistán o la India. No sabemos, sin embargo, de qué región de la India vienen exactamente. Probablemente de la región montañosa del norte de la India: Kush y el Punjab. De aquí partieron en gran oleada migratoria hacia el siglo IX después de Cristo.

Las migraciones gitanas en Europa son del siglo XIV-XV. Se asentaron durante siglos en Grecia, desde donde irradiaron hacia la Península Balcánica. Un grupo siguió hacia el centro de Europa y penetró por los Pirineos, llegando a Barcelona hacia 1447. Otro grupo llega también en el siglo XV a Andalucía procedente del Norte de África. Estos gitanos que llegaron a Andalucía fueron bien acogidos e incluso protegidos por la nobleza española. Era un pueblo de herreros, con fama de magos con relaciones con potencias infernales, típicas de los pueblos herreros. Esta profesión de herreros y magos causó naturalmente el recelo de los pueblos agrícolas.

LOS GITANOS EN ESPAÑA

Desde su entrada durante el reinado de los Reyes Católicos, los gitanos vivieron marginados socialmente y perseguidos. Hasta el reinado de Carlos III en el siglo XVIII no adquirieron derechos de ciudadanía y legitimidad jurídica. Sin embargo, hay que decir que Andalucía nunca les fue adversa. Allí fueron bien acogidos debido a que en la región que constituye aún hoy el triángulo del verdadero flamenco: Sevilla, Jerez de la Frontera y Cádiz, vivían entonces muchos moriscos que no habían sido expulsados de España. Allí se fueron asentando los gitanos. Cuando llegaron los gitanos, esta región estaba habitada por fuertes grupos de moriscos (mudéjares convertidos al cristianismo a la fuerza y luego expulsados en el 1609). Entre estos moriscos encontraron los gitanos una buena acogida.

Así encuentran los gitanos en Andalucía un pueblo alegre, hospitalario, sin prejuicios culturales y con una tradición milenaria. Andalucía había sido invadida por muchos pueblos ve- nidos del Oriente, de modo que los gitanos eran restos de las culturas orientales que habían conocido en su peregrinar desde la India. Parece que, a su llegada a España, les causó una gran admiración la música moruna.



EL FOLKLORE ANDALUZ


 Hay muchos testimonios en la Antigüedad de la nativa actitud andaluza para cantar y bailar. Fuentes 
muy antiguas nos dan testimonio de la vocación musical de los andaluces. Los autores romanos Juvenal y Marcial describen el arte de las muchachas de Gades (Cádiz) para bailar. El triángulo Sevilla - Cádiz - Ronda, con centro en Jerez de la Frontera, fue el terreno propicio para asimilar los ricos elementos musicales implícitos en las diversas culturas que convivieron en Andalucía y se superpusieron desde el siglo VIII al XV después de Cristo.

Tenemos los siguientes elementos musicales en el folclore andaluz:

  • Modos JÓNICO y FRIGIO (dramático y cromático) inspiradores de la liturgia bizantina-griega, mantenida en Córdoba hasta el siglo XIII por la Iglesia Mozárabe. Esta clase demúsica influyó mucho en el flamenco. 

  • Primitivos sistemas musicales HINDÚES transmitidos por sirios y por el cantor y compositor de Bagdad llamado Ziryab. Estos sistemas musicales influyeron en el enarmonismo y en el estilo reiterativo y ornamental de algunos cantes, como la seguirilla de Curro Durse.

  • Cantos y músicas MUSULMANAS, introductores de la “gama oral” (derivada de la chino-iraniana), y de la categoría musical de la medida. Huellas de esta música las tenemos en los así llamados melismas del flamenco. La fama es extraña al cantor popular. La influencia se mantuvo hasta el siglo XVII. El fandango andaluz y un buen ejemplo de esta influencia.

  • Melodías salmodiales y sistema musical judío entre el siglo IX y XV. La influencia en el flamenco de estas melodías la vemos en las seguiriyas y en las saetas (emparentadas con la oración hebrea “Kol Nidrei”).

  • Canciones populares MOZÁRABES, de tipo indígena, autóctonas andaluzas. Anteriores a estas canciones mozárabes son las cantigas de gaditanas. A este estilo de canto pertenecen las jarchyas. Mozárabes son también las zambras, tan caras a muchos califas cordobeses.

Estos elementos muestran la convergencia en Andalucía de los más diversos influjos: orientales, helénicos, semitas, autóctonos, laicos, religiosos, sinagogales, inocaciones muezínicas, liturgias griegas, liturgias visigóticas, canciones cultas de Ziryab, melodías hindúes y persas, melopeas bereberes, jarchyas mozárabes, canciones irquesas de Achfa de Bagdad. Hasta el siglo XV, la cultura musical arábigo-andaluza dio la tónica a toda la Península Ibérica.

EL CANTE GITANO

No tenemos noticia alguna en el siglo XVII de la existencia de algún tipo de algo parecido al flamenco. El siglo XVII usa la palabra solamente para designar a los habitantes de los Países Bajos [Holanda]. El siglo XVII es es la fase preparatoria del cante flamenco, en él persisten los elementos de tradiciones musicales arábigo-andaluzas.  Los gitanos entran en el siglo XVI en Andalucía y se van aclimatizando entre los siglos XVI y XVIII. Las provincias de Sevilla y Cádiz, que aún conservaban un buen porcentaje de moriscos, fueron el terreno más propicio para ellos.

Con los materiales musicales dispersos en los campos de Cádiz y Sevilla, entre la población campesina morisca y andaluza, los gitanos (buenos herreros) forjaron los primeros cantes flamencos, integrando en ellos las diversas tradiciones musicales que encontraron vivas en la población morisca de los campos bajoandaluces. A esto aportaron los gitanos su poderosa capacidad para amalgamar diversos estilos y culturas. Venidos desde la India o el Pakistán, los gitanos recogieron a su paso por el sur de Europa diversos cantes de diversas culturas orientales. En Andalucía encontraron un folclore hermano, que les recordaba el suyo. Entonces, en su innata capacidad de asimilación, absorben cantos y danzas diseminados en el pueblo andaluz. Refunden elementos dispersos y crean o, mejor dicho, forjan algo completamente nuevo: el cante flamenco.

En su cante refundieron el tradicional sentido del ritmo y la danza de Cádiz. Las canciones campesinas de agricultores moriscos de Sevilla y Jerez. Resabios judaizantes, y todo el folklore orientalizado andaluz. Los gitanos aportaron su apasionamiento, su sentido trágico de la vida, su tradición cantora, llena de reminiscencias hindúes, su nativo don del ritmo y, sobre todo, su arte supremo de la forja (en este caso, la forja musical).  El flamenco es pues el resultado de la forja de dos elementos: el gitano y el andaluz. Hasta que no empezaron a cantar los gitanos por seguiriyas, soleares y romances, no se puede hablar de flamenco. Pero hasta que no llegan a Andalucía y se asientan en Sevilla y Cádiz, los gitanos no cantan nada parecido al flamenco.  Y solamente los gitanos asentados en esta región cantan flamenco.

viernes, 4 de septiembre de 2020

Posted by Cultu-Art septiembre 04, 2020 in
Kerala, ubicada en la zona sur de la India, es el lugar de una de la estatuas más grandes del mundo,  un águila colosal que ha tardado más de 10 años en constuirse. 

Está ubicada en el parque nacional Jatayu Earth Center, y representa a un águila caída, con un ala cortada. Curiosamente la estatua está dedicada a las mujeres.
La estatua de ave más grande del mundo mide 61 metros de largo, 46 metros de ancho, y 21 metros de alto. En total ocupa una superficie de 1400 metros cuadrados. Junto a ella se erige un templo dedicado a Rama, una importante deidad hindú. La estatua de Jatayu está ubicada en un centro turístico en donde se pueden llevar a cabo más de 20 tipos de actividades culturales.





¿Por qué la estatua con forma de pájaro más grande del mundo representa a un águila caída con un ala cortada?

Se trata del semidios Jatayu, que según cuenta la mitología india luchó contra el demonio Ravana, que había secuestrado a Sita, una representación de las virtudes de todas las mujeres. Por eso la estatua está dedicada a ellas. Durante el combate, el demonio consiguió cortarle un ala a Jatayu, y por eso la estatua recoge el momento en el que Jatayu cae al suelo.




Más allá de la leyenda, Jatayu Earth Center se ha convertido en un complejo turístico que ofrece todo tipo de actividades. Puedes subir a la estatua en teleférico o hacer escalada en una ladera de la montaña. También es posible practicar el tiro con arco, o participar en una batalla de paintball. En una de las alas de la estatua con forma de pájaro más grande del mundo hay un mini teatro multidimensional donde se representa la leyenda del águila caída.





jueves, 3 de septiembre de 2020

Posted by Cultu-Art septiembre 03, 2020 in

China es hoy la más importante de las potencias mundiales emergentes, el país más poblado del planeta y uno de los más extensos y ricos en recursos naturales. Además, China, a diferencia del resto de las civilizaciones del planeta, posee una cultura de casi tres mil años, lo que viene a ser como si en el Egipto actual continuase viva la cultura faraónica o la mesopotámica en Irak. Esa cultura no puede comprenderse sin tener en cuenta la aportación fundamental que en ella supuso el legado filosófico de Confucio. 

Este hombre sencillo que consagró su vida a la enseñanza creyó profundamente en la capacidad de los hombres para elevarse sobre sus propias miserias y en la fuerza revolucionaria de la educación para construir una nueva sociedad. El siglo V a. C. en que vivió fue uno de los momentos esenciales para el desarrollo cultural de las civilizaciones euroasiáticas, pues en cada una de ellas surgirían figuras que marcarían su evolución posterior durante siglos. Buda en la India, Sócrates en la antigua Grecia y Confucio en China aportarían el sustrato filosófico sobre el que se desarrollarían las grandes líneas del pensamiento de sus respectivos entornos culturales. La vida de Confucio se confunde entre la leyenda y la historia, pero su pensamiento continúa siendo hoy fuente de inspiración espiritual para millones de personas en el mundo.

Confucio nació hacia el año 551 a. C. en una época de profundas convulsiones sociales y políticas que con el tiempo terminarían dando pie a la China imperial clásica. La historia antigua de China se divide tradicionalmente en períodos dinásticos cuya denominación alude al predominio político y cultural de distintos pueblos. Así, tras las dinastías Xia y Shang, se impuso la llamada dinastía Zhou (1122-221 a. C.), que sería la de más larga duración de la historia china y bajo cuyo dominio la cultura clásica china alcanzó sus más altas cotas de desarrollo. El cultivo de la escritura (existente desde el tercer milenio antes de Cristo), las artes y especialmente la literatura motivarían que la época de esplendor cultural por excelencia fuese la primera de las tres etapas en que suele dividirse la dinastía Zhou, el período Zhou del Oeste (1122-771 a. C.), que más adelante Confucio lo consideraría como la edad de oro de la política y cultura chinas y, por tanto, el modelo a cuya reposición se debía aspirar.




En el siglo VIII a. C. la sociedad Zhou comenzó a reflejar una creciente inestabilidad cuya manifestación más notable sería la enorme fragmentación política y la multiplicación de pequeños estados feudales que nominalmente reconocían la soberanía de los reyes de la dinastía Zhou. Daba así comienzo el segundo período de esta dinastía, el llamado período de Primavera y Otoño (771-484 a. C.), al final del cual nació Confucio, que moriría ya en la última etapa de la dinastía, la denominada de los Reinos Combatientes. La vida de Confucio se desarrolló por tanto en un tiempo de grandes transformaciones políticas y sociales pues, como recuerda la historiadora Sue-Hee Kim, « desde el inicio del período de Primavera y Otoño varios estados feudales tributarios de Luoy ang [capital de la dinastía Zhou] lucharon entre sí para obtener la independencia (…).

 

En el siguiente período de los Reinos Combatientes, los siete estados feudales más fuertes se disputaron la hegemonía hasta que fueron conquistados y subyugados por el Imperio Quin» . En este contexto de guerra constante nació uno de los mayores defensores de la paz, Confucio. Un hijo en el ocaso de la vida, pocos son los datos seguros que se conocen acerca de la vida de Confucio, pues la relevancia que su figura llegó a alcanzar en el mundo chino sería la causa de la proliferación de biografías sobre el filósofo de tintes claramente hagiográficos y en las que, por tanto, lo legendario se mezcla con lo real. La mayor parte de ellos proceden de los escritos en los que, con posterioridad a su muerte, sus seguidores recogieron su legado filosófico (los llamados Cuatro libros) y de lo que el primer gran historiador chino, Sima Qian, relató en su obra Shi-Ji (Crónica de la historia). Todos estos datos se hallan en la tradición popular china acerca de Confucio mezclados con otros quizá menos fiables pero fuertemente enraizados en el imaginario común chino.

Confucio nació en el estado de Lu, en la península de Shangdong, en el seno de una familia perteneciente a la pequeña nobleza pero venida a menos. Según la tradición china, su padre, Shu-Liang Ho, era un temible guerrero que al final de su carrera recibió como premio el gobierno del pequeño territorio de Lu (a unos 560 kilómetros del actual Pekín) en el que se afincó junto con su familia. Shu-Liang Ho tenía dos esposas y era padre de nueve niñas y un niño que había nacido enfermo. El guerrero, pese a lo avanzado de su edad, pues tenía setenta años, deseaba ser padre de un varón plenamente sano. Por esta razón decidió tomar como concubina a Cheng-Tsai, una joven de dieciséis años con la que finalmente vio cumplido su deseo. Como recuerda la profesora Julia Ching, una leyenda popular narra la concepción de Confucio como un hecho extraordinario: « Según esta ley enda, la madre de Confucio salió un día al campo y tuvo un sueño en el que vio a un personaje llamado el Emperador Negro. Parece que se trataba de un figura divina, y que en su sueño se unieron. Después de eso ella despertó y supo que estaba embarazada». Pero a decir verdad, cuando se produjo el nacimiento de Confucio su aspecto no recordaba al de una divinidad, pues si hay algo en lo que concuerdan todos los relatos es en su escasa belleza. El pequeño recibió el nombre de Qiu, al que se unió el de familia que llevaba su padre, Kong; por tanto, su nombre completo según el orden habitual chino era Kong Qiu. Cuando muchos años después se convirtió en maestro, se le conoció como Kong Fuzi, que quiere decir « maestro Kong» ; a partir de esta denominación, los misioneros jesuitas que llegaron a China en el siglo XVII crearon la forma latinizada Confucio. Pese a la gran alegría con que recibió su nacimiento Shu-Liang Ho, el viejo guerrero apenas pudo disfrutar de su hijo y a que falleció cuando Confucio contaba sólo tres años. Cheng-Tsai quedó entonces completamente desamparada pues la pequeña herencia de Shu-Liang Ho apenas si llegaba para pagar las dotes de sus hijas y el cuidado de su hijo enfermo.

Consciente de que en el mismo lugar que residía la familia del difunto guerrero poco podrían esperar ella y su hijo, decidió buscar un sitio en el que comenzaruna nueva vida, y así llegó a la ciudad de Chu Fu. La vida en Chu Fu era dura, pues a la escasez en que vivían las clases más pobres había que sumar las penalidades de criar a un hijo sola; así, desde su infancia Confucio conoció de cerca la pobreza y los problemas sociales asociados a la convulsa situación política china, algo que marcaría su sensibilidad para siempre. Su madre procuró pese a todo ofrecerle una educación esmerada y aunque Confucio pronto tuvo que trabajar para que ambos pudiesen salir adelante, Cheng-Tsai no permitió que la necesidad le apartase de los estudios.


Como indica el director del Instituto Yengching de Harvard, « Confucio probablemente sirvió en toda clase de trabajos mundanos, como barrer el suelo, limpiar casas ajenas, repartir comida del mercado, y también todo tipo de trabajos manuales, de forma que estaba en contacto con la vida diaria de quienes le rodeaban. Una cosa que le diferenciaba era su increíble curiosidad por aprender; su madre fue muy perseverante en crear para él un entorno en el que pudiera prosperar como estudiante y, en el mejor de los casos, que le permitiera llegar a destacarse en el gobierno, de modo que tenía grandes aspiraciones para su hijo» . El enorme deseo de saber, que el propio Confucio reconocería como principal rasgo de su carácter, creció todavía más cuando a partir de los quince años pudo empezar a leer los grandes textos clásicos chinos. Su formación hasta entonces debió de centrarse en el necesario aprendizaje de los caracteres de la escritura china, pues como recuerda la sinóloga Dolors Folch, « es a partir de los quince años, con la comprensión de unos cuatro mil caracteres que permiten ya enfrentarse al noventa y nueve por ciento de los textos, cuando el joven puede iniciar el estudio propiamente dicho».

El encuentro con los clásicos fue para Confucio como una revelación, pues a partir de su lectura y de la observación de la realidad que le rodeaba adquirió el firme convencimiento de que en la antigüedad, y más concretamente en el período Zhou del Oeste, se encontraba el modelo perfecto de cultura china en el que debía inspirarse la educación de los individuos y el gobierno de la sociedad. Así, mientras devoraba con avidez los libros de historia, música, poesía y literatura, cristalizaba en él un modo de ver el mundo en que la educación surgía como el instrumento más eficaz para el ennoblecimiento espiritual y la renovación social y política. Confucio se convirtió en un joven instruido, con un talento e inteligencia extraordinarios que progresivamente le hicieron ganar el reconocimiento de sus vecinos. Sin embargo su felicidad se vería truncada por el fallecimiento de su madre. Confucio tenía entonces diecisiete años, pero a pesar de su juventud se empeñó en cumplir con las tradiciones chinas de culto familiar y encargarse de que Cheng-Tsai fuese enterrada junto a su padre. Muchos relatos describen la desesperación del joven al desconocer el lugar en el que se había dado sepultura a su padre, por lo que, ataviado con las ropas de duelo, cargó con el ataúd de su madre hasta un cruce de caminos donde se arrodilló y, haciendo reverencias a quienes pasaban, les preguntaba si sabían dónde habían enterrado al guerrero Shu-Liang Ho. Finalmente, una anciana le proporcionó la información que necesitaba y de este modo Confucio pudo rendir el homenaje merecido a su madre al darle sepultura junto a su padre. El joven filósofo se había quedado solo por completo, pero cuando aún lloraba la muerte de su madre su fortuna cambió súbitamente.

El gran maestro del Estado de Lu Chu Fu, la ciudad donde vivía Confucio, era la capital del estado de Lu, que por entonces estaba gobernado por el duque de Lu. Sin embargo, las largas luchas internas por el poder entre los aspirantes al ducado de Lu terminaron motivando que en la práctica el gobierno del estado se dividiese entre las tres grandes familias que se disputaban el poder aunque uno de sus miembros ostentase el título de duque de Lu. Uno de ellos, Ji Sun Shi, gobernaba en Chu Fu en el tiempo en que Confucio había quedado huérfano, y preocupado como estaba por lanecesidad de administrar mejor los recursos naturales del territorio que tenía a su cargo, algunos de sus consejeros le hicieron notar que en la ciudad había un joven cuy a inteligencia era alabada por todos. Confucio fue entonces llamado ante el gobernador de Chu Fu, quien le ofreció el puesto de inspector de graneros de la ciudad, cargo que desempeñaría durante varios años y en el que daría muestras de su gran capacidad.

Poco tiempo después de haber iniciado su nueva vida, cuando tenía diecinueve años, Confucio contrajo matrimonio. Nada se sabe sobre la identidad de su esposa ni tampoco sobre el número de hijos que tuvo, si bien parece que su matrimonio no resultó especialmente bien avenido y que, en efecto, fue padre. En palabras de la profesora Julia Ching, « sabemos que Confucio además de un hijo tuvo al menos una hija porque encontramos referencias de que su hija se casó con uno de sus discípulos; hay quien considera que incluso tuvo una segunda hija, pero es muy poco lo que se sabe sobre su relación con su esposa. De hecho una leyenda cuya fiabilidad no podemos contrastar cuenta que Confucio y su mujer se divorciaron, de modo que por lo que sabemos es posible que Confucio y su mujer no se llevaran bien». Sea como fuere, lo cierto es que durante más de diez años Confucio se entregó al desempeño de su cargo de inspector de graneros y a su vida familiar, aunque continuó leyendo incesantemente las grandes obras clásicas chinas. Conforme avanzaba el tiempo y en la medida en que por su empleo continuaba en contacto con los grandes problemas sociales de la época, fue creciendo en él la necesidad de consagrar su vida a la mejora del mundo en que vivía. Convencido de la decadencia social y política de su época, comenzó a pensar que se imponía la necesidad de renovación y que para ello el mejor instrumento era la educación sin distinciones de todos los miembros de la sociedad, independientemente de su origen o clase. Había nacido su verdadera vocación, la de ser maestro, y por ella terminaría abandonando todos sus lazos personales.

Guiado por sus ideas revolucionarias, Confucio abrió una escuela en Chu Fu en la que aceptaba a discípulos de todas las clases sociales, sin tener en cuenta si se trataba de hijos de nobles o de familias pobres pues estaba absolutamente persuadido de que la educación era la única base verdadera sobre la que construir cambios y mejorar la sociedad. Sus estudios y su experiencia le habían dotado de una profunda comprensión de los problemas derivados de la actuación social del ser humano, de forma que estaba convencido de que la excelencia de una sociedad dependía en buena medida de la de sus individuos, de ahí la importancia de hacer extensiva la educación a todas las clases sociales. En consecuencia, la educación de sus alumnos no buscaba convertirlos en eruditos, sino hacerlos cultivar su espíritu, mejorarlos como seres humanos para que mejorasen su sociedad. Así, en su escuela se formaba a los discípulos bajo el ideal confuciano de « hombre noble» o junzi, término chino equivalente a « aristócrata» al que Confucio dio un nuevo sentido: el hombre noble no era el de alta cuna, sino el de noble moral.

La fama de Confucio creció al compás que lo hacía el número de sus discípulos. Nadie antes que él había hecho nada parecido. Como señala Dolors Folch, « la originalidad de Confucio —que no era nada obvia ya que en Occidente tardaría milenios en introducirse— es haber proclamado que era necesario enseñar a todo el mundo. Se trata de una concepción totalmente innovadora que incluye la idea de que lo importante es la capacidad intelectual y no el árbol genealógico, y de que lo que diferencia a los hombres entre sí no es el nacimiento sino la educación» . Los planteamientos de Confucio dieron pie a la formulación de toda una filosofía educativa y ética que se aplicaba rigurosamente en su escuela. Esto suponía un alto grado de exigencia para sus pupilos a los que el maestro exigía verdadero interés por el estudio y el cultivo perseverante de las virtudes confucianas: el amor filial (Xiao), la humanidad (Ren) y el respeto y práctica de las costumbres o ritos (Li). Pero para Confucio la educación era, ante todo, un instrumento de cambio, de reforma social y política, de tal suerte que formaba a sus alumnos para convertirlos en funcionarios públicos, es decir, en los responsables de la administración social y política y, por tanto, en agentes del cambio. Él mismo deseaba llegar a ser un alto funcionario de algún estado chino ya que de ese modo pensaba que podría cumplir su sueño de cambiar la realidad para recuperar los principios que se habían perdido después del período Zhou del Oeste. Por esa razón ofreció sus servicios una y otra vez a los gobernantes del estado de Lu, pero una y otra vez fue rechazado. Sin embargo, cuando creía que jamás tendría la oportunidad de poner en práctica sus ideas más allá del entorno de sus discípulos, su suerte cambió bruscamente. Corría el año 501 a. C. y Confucio tenía ya cincuenta años Camino del desengaño.

 A finales del siglo VI a. C., el estado de Lu estaba gobernado por un nuevo y joven duque de nombre Ting; deseoso de fortalecer su poder frente a las familias dominantes, pensó que si contaba con un ministro sabio podría lograrlo. Así, hizo llamar a Confucio cuya reputación de hombre sabio y gran maestro era conocida en todo el territorio y le ofreció convertirle en su consejero y gobernador de Lu. El filósofo aceptó feliz de poder realizar por fin su sueño reformador, y con tanta diligencia como perseverancia comenzó a aplicar sus  ideas al gobierno de Lu. Según la tradición popular china, bajo su administración Lu alcanzó una prosperidad que nunca antes había conocido. Confucio puso en práctica sus principios de igualdad y justicia social, tomando medidas tan avanzadas para su tiempo como que la alimentación y bienestar de los niños y ancianos más desfavorecidos corriesen a cargo del estado. Paralelamente aseguró la educación inspirada en el modelo de hombre noble para todos aquellos que deseasen acceder a ella y procuró que todas las medidas adoptadas para la mejor administración de la sociedad y el combate de sus grandes problemas bebiesen en la aplicación práctica de las virtudes confucianas, pues como él mismo reconocería, « cualquiera puede juzgar un caso criminal tan bien como yo. Lo que deseo hacer es enmendar las condiciones en las que tales delitos aparecen» .

Gracias a su buen hacer Confucio comenzó a prosperar como funcionario público, y el duque Ting, cuya reputación crecía debido a la influencia de su consejero en el gobierno, fue confiándole de forma progresiva mayores y más importantes responsabilidades. Sin embargo, las ventajas políticas que Ting estaba obteniendo no pasaron desapercibidas para sus rivales, que, según describen diversas leyendas, decidieron tender una trampa al joven duque para socavar la influencia de Confucio: mandaron reunir a las mujeres más bellas de sus dominios y las enviaron como regalo al duque Ting en una espectacular comitiva de carruajes ornamentados con todo cuidado. Subyugado por la belleza de las jóvenes, Ting se entregó a disfrutar de los placeres que se le ofrecían de modo tan tentador y así olvidó durante varios días sus responsabilidades y obligaciones de gobierno. Confucio, decepcionado por su comportamiento, pensó que el duque no poseía las cualidades morales necesarias para ser un buen gobernante y decidió abandonar Lu seguido por sus discípulos. De este modo el filósofo dio comienzo a una vida itinerante que mantendría durante trece años.  

En el año 497 a. C., Confucio dejó el estado de Lu pues no estaba dispuesto a renunciar a sus ideales ni a traicionarlos acomodándose a una vida cortesana construida de espaldas a éstos. El amor por el estudio y el cultivo interior se convertiría en la fuente de la que, tanto él como los discípulos que le siguieron, beberían para encontrar la fuerza necesaria con que hacer frente a las duras condiciones de vida que desde entonces les rodearon. Aspiraba a encontrar un príncipe o gobernante digno al que ofrecer sus servicios y por ello comenzó un peregrinar constante por el vastísimo territorio del este de China. Durante todo ese tiempo Confucio pudo entrar en contacto directo con el sufrimiento y las privaciones que miles de chinos padecían bajo la opresión de unos gobernantes ávidos de poder y más preocupados por lograr imponerse sobre los restantes estados feudales que por paliar las duras condiciones de vida de sus súbditos; esta nueva perspectiva contribuyó a hacer aún más fuerte su vocación de participar en el cambio profundo de la política y la sociedad de su tiempo.

La experiencia de Confucio y sus discípulos en aquellos años queda perfectamente reflejada en una de las leyendas más conocidas sobre su vida errante. En cierta ocasión, Confucio y aquellos que le seguían se encontraron con una mujer sentada en el camino que lloraba desconsolada pues un tigre había devorado a su esposo y a su hijo. Sorprendidos por su actitud, le preguntaron por qué continuaba en un lugar en el que podía ser atacada por la fiera, a lo que ella les replicó: « ¿Y a qué lugar podría ir? Si me voy de aquí probablemente encontraré un gobernante más cruel» . Entonces Confucio miró a sus discípulos y les dijo: « Eso es cierto; un gobernante tirano es mucho peor que un tigre devorador de hombres».

Con esas profundas convicciones sobre el modo en que debía conducirse cualquiera que tuviese a su cargo el gobierno de un lugar, Confucio fue de corte en corte exponiendo sus ideas, pero nadie parecía querer escucharle. Éstas resultaban incómodas pues para el filósofo la clave de todo gobierno residía en el ejemplo dado por los gobernantes, en su capacidad para ser hombres nobles. Sólo aquellos que mediante la educación cultivaban las virtudes estaban a su juicio capacitados para regir sabiamente la sociedad. Confucio defendía de este modo la creación de un ideal ético-político que, con el simple hecho de que un buen gobernante se lo propusiera, podría hacerse realidad. En palabras del historiador Morris Rossabi, « los ministros pondrían en práctica la filosofía de Confucio en sus propias vidas y así servirían de modelo para la gente común. Se trataba de una especie de teoría de la “virtud de la gripe” en la que creía Confucio: primero se tiene al gobernante que pone en práctica los ideales, después a sus ministros y luego a la gente común. Es como contagiarse la virtud, del mismo modo que uno se contagia un resfriado».

En las ideas políticas y sociales de Confucio había una potencia revolucionaria que el filósofo no se molestó en disimular y que, obviamente, no debió de pasar inadvertida para los muchos gobernantes que rechazaron tomarlo a su servicio. Con ellas no se abrían las puertas de una revolución cruenta, sino de una profunda y progresiva transformación de la sociedad china en la que el modelo impuesto por las luchas de estados feudales no tenía cabida. Por otra parte y como recuerda el profesor de Filosofía china Roger Ames, el propio carácter de Confucio, su alto nivel de exigencia personal y su inflexibilidad ante la debilidad moral, terminarían siendo factores que coadyuvaron a su fracaso.

Posted by Cultu-Art septiembre 03, 2020 in

Peter Perlegas es un artista y retratista grecoamericano que también se especializa en pinturas al óleo. Criado en Miami Beach, Florida, el talento de Peter fue evidente a una edad temprana cuando comenzó a pintar iconografía para miembros de la iglesia a la edad de 10 años y ganó múltiples premios en Arte y Escultura tanto a nivel regional como estatal. Hizo una historia de portada en la sección de Arte y entretenimiento del Miami Herald cuando solo tenía 13 años.


 Después de asistir a la Universidad de Carolina del Norte en Chapel Hill comenzando como una especialización en Bellas Artes, decidió cambiar de rumbo y seguir una carrera como Investigador Científico en Genética Molecular donde trabajó investigando las asociaciones genéticas de la Diabetes en diferentes pacientes y fue publicado en múltiples revistas científicas desde 2002-2009. 

Finalmente, en busca de una carrera en administración de biotecnología, Peter completó una maestría en administración de empresas con un enfoque en emprendimiento y administración en las Escuelas de Negocios de la Universidad Wake Forest en Winston Salem, Carolina del Norte. Al graduarse en 2011, decidió centrarse más en su verdadera pasión por la creación de arte, por lo que su carrera científica quedó inevitablemente en suspenso.


 Peter Perlegas es también un retratista que pinta retratos al óleo de calidad reliquia de personas de todos los ámbitos de la vida. Estos retratos pueden conmemorar un momento especial en la vida del cliente o servir como tributo a su contribución continua a la sociedad. Al crear un retrato al óleo hiperrealista, Peter inmortaliza al cliente no solo capturando la imagen de las personas en ese hito en particular en sus vidas, sino también la esencia de su espíritu. Qué manera tan asombrosa de rendir homenaje al honor de una persona con un retrato de pintura al óleo que durará cientos de años. Sus dibujos y pinturas realistas apuntan a representar el poder de la expresión emocional humana.


 Los recientes premios y reconocimientos de Peter Perlegas en plataformas de redes sociales como Instagram por sus retratos y pinturas dan fe de su competencia, arte y profesionalismo.


 Ha valido la pena el esfuerzo de crear arte que tenga un impacto en la sociedad e inspire a otros a perseguir su potencial creativo. El arte de Peter se ha distribuido por todo el mundo en forma de originales, grabados de edición limitada y esculturas. Desde noviembre de 2019, más de 300 personas en todo el mundo se han tatuado las pinturas de Peter en sus cuerpos, lo que en sí mismo es un logro como artista moderno.


martes, 1 de septiembre de 2020

Posted by Cultu-Art septiembre 01, 2020 in
La cantante estadounidense marcó una época en el soul con grabaciones destacadas como "The First Time Ever I Saw Your Face", "Killing Me Softly" y "Feel Like Makin' Love.4
Roberta Flack publicó el álbum "Killing Me Softly" en 1973. Este disco incluye el tema más conocido de su carrera musical : "Killing me softly with his song" que le dio un Grammy en a la mejor interpretación vocal femenina. 
Y ostenta el récord de ser el único solista (hombre o mujer) que ha obtenido el Grammy en dos ediciones consecutivas (1973 y 1974).
Roberta Flack, cuyo nombre completo es Roberta Cleopatra Flack, nació el 10 de febrero de 1937 en la ciudad estadounidense de Black Mountain (Carolina del Norte). Su padre tocaba el órgano en la iglesia baptista de la ciudad, lo que orientó la carrera musical de Roberta hacia el piano.

Con tan solo 15 años su dominio del piano era tal que obtuvo una beca musical en la Universidad Howard, donde se convirtió en una de las alumnas más jóvenes que pasaron por dicho centro. Fue compaginando su técnica vocal con el dominio el piano, hasta llegar a ser directora adjunta del coro de la universidad.

A los 19 años se graduó en la universidad y posteriormente comenzó sus estudios de postgrado en música, pero el repentino fallecimiento de su padre truncó sus estudios, obligándola a trabajar como profesora de música e inglés.

A finales de los cincuenta y principios de los sesenta Roberta Flack se instala en Washington D.C., donde trabaja como profesora en dos institutos, a la vez que ofrece clases particulares de piano. Paralelamente, comenzó a participar en pequeños espectáculos musicales en locales nocturnos de la ciudad, generalmente como acompañante al piano de cantantes de ópera más reconocidos. En algunas ocasiones improvisaba interpretaciones de temas de blues, soul y pop mientras tocaba el piano.

Posteriormente pasó a ser una fija varias noches a la semana en el Club 1520, donde fue cambiando su repertorio de estilo clásico hacia el pop, lo que le brindó un mayor reconocimiento del público.

En 1968 Roberta Flack comenzó a trabajar profesionalmente en el mundo de la música, gracias a un contrato para actuar regularmente en el Mr. Henry's Restaurant, en un ambiente acogedor y que parecía el escaparate ideal donde mostrar sus dotes artísticas ante un público a menudo formado por personajes famosos del mundo del cine y la canción.

El pianista y vocalista Les McCann descubrió el talento de la joven intérprete tras asistir a una de sus actuaciones, sorprendiéndole especialmente la calidez de su voz. De esta manera, organizó una audición entre Roberta y la discográfica Atlantic Records, en la que la artista interpretó 42 temas en tan solo tres horas en la que el productor y ejecutivo de la compañía quedó impresionado, ofreciéndole su primer contrato para grabar un álbum.

En febrero de 1969 se publica el primer álbum de Roberta Flack, que lleva por título "First Take", El álbum incluye el tema "The First Time Ever I Saw Your Face", utilizada por Clint Eastwood en su primera película como director, Play Misty for Me (titulada en España como "Escalofrío en la noche"). Tanto el álbum como la canción se situaron en el primer puesto de las listas de éxitos en Estados Unidos.

En 1971 participa en la grabación de un concierto titulado "Soul to Soul" y en el documental que narra dicha grabación. Grabado en Ghana con motivo de la celebración de la independencia de dicho país, en el proyecto participa una gran variedad de músicos de R&B, soul, rock y jazz en su mayoría estadounidenses, como Wilson Pickett, Ike & Tina Turner o Santana con su banda. En 2004 una reedición de dicha grabación, restaurada por la Fundación Grammy, tuvo que eliminar las escenas en las que aparecía Roberta Flack por deseo expreso de la artista, que nunca llegó a explicar los motivos de dicha decisión.

En 1972 Roberta Flack comienza a colaborar con Donny Hathaway, un antiguo compañero< de estudios con quien graba varios temas de éxito, como "Where Is the Love" o "The Closer I Get to You", además de dos álbumes. Dichas colaboraciones prosiguieron hasta la muerte de Hathaway en 1979.

En 1973 Roberta Flack publica el álbum "Killing Me Softly", que incluye el tema más conocido en la carrera musical de la intérprete y su segundo número uno en las listas, "Killing Me Softly with His Song". Se trata de una canción compuesta por Charles Fox en 1971 y con letras de Norman Gimbel. En la primera grabación del tema también participó Lori Lieberman, pero no fue hasta esta versión de Roberta Flack que el tema se hizo universal. Posteriores versiones de esta canción también han tenido gran repercusión, como la que hicieron los Fugees, con la que ganaron el Grammy en 1997.

Roberta Flack ganó en 1973 el Grammy como Mejor Interpretación vocal Femenina por "Killing Me Softly with His Song", que se mantuvo durante cinco semanas en el número uno de la lista Billboard Hot 100. La versión de Flack, más rápida que la original, contó con los arreglos de la propia artista, quien la interpretó por primera vez en septiembre de 1972 en una actuación que realizó junto a Marvin Gaye y con la que hizo estusiarmar al público.

1974 alumbró un nuevo éxito de Roberta Flack, la canción "Feel Like Makin 'Love", integrada en el álbum del mismo título y que consiguió auparse nuevamente en lo más alto de las listas de éxito, logrando además tres nominaciones a los Grammy.

La década de los ochenta fue más parca en éxitos. Tras la muerte por suicidio de Donny Hathaway, Roberta Flack, muy afectada, redujo sus actos públicos. Profesionalmente se unió a Peabo Bryson, con quien realiza una larga gira y con quien graba "Tonight, I Celebrate My Love" para el álbum "Oasis" (1988).
No sería hasta 1991 cuando llegaría un nuevo éxito de Roberta Flack, un tema titulado "Set the Night to Music" que Roberta cantaba a dúo con el intérprete jamaicano Maxi Priest y que alcanzó el sexto puesto en la lista Billboard Hot 100.

A partir de finales de los noventa, la cantante se ha dedicado a realizar diferentes giras ofreciendo conciertos por todos los rincones del mundo. A principios de 2012, Roberta Flack publica un álbum de tributo a los Beatles, con versiones de los temas más importantes de los chicos de Liverpool (incluyendo "Hey Jude" y "Let It Be") en un álbum que apareció ocho años después de su anterior trabajo de estudio. Este homenaje vino dado por la amistad que Roberta tenía con John Lennon y Yoko Ono, de quienes era vecina en el mismo bloque de apartamentos.



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