jueves, 29 de octubre de 2020

Posted by Cultu-Art octubre 29, 2020 in
Hay cosas realmente fascinantes en nuestro planeta. El cráneo tallado tibetano es uno de esos elementos fascinantes con una historia alucinante que ofrece una visión de las culturas y tradiciones antiguas de hace cientos de años. Además de varios símbolos que se cree que representan deidades antiguas, una misteriosa escritura antigua está grabada en el cráneo.
 El misterioso cráneo fue descubierto por casualidad en una tienda de antigüedades en Viena, Austria. Tras ser analizado y estudiado por varios expertos y organizaciones, el cráneo ha creado un debate fascinante ya que nadie parecía haber oído hablar de un cráneo como este.
 Se sabe que las gorras de calavera son ampliamente conocidas por ser talladas en el Tíbet, Nepal y la India, sin embargo, los grabados de cráneos humanos completos no se practican tan ampliamente.
 La única persona que parece saber más al respecto es un khenpo tibetano –profesor monje– que afirma que en la antigüedad se tallaban cráneos similares para quitar la 'maldición' de una familia, o para guiar el alma de un humano engañado hacia el camino correcto.
 Aparentemente, la información adicional sobre el cráneo y tales prácticas es muy limitada.
 El fascinante cráneo fue vendido en una casa de subastas por un hombre que afirma haberlo obtenido de uno de sus antepasados ​​que fue médico en Viena, Austria.
Se dice que el médico, que viajaba al extranjero, ejerció la medicina en un monasterio budista donde recibió el cráneo como recompensa por sus servicios.
 De lo que los expertos han podido distinguir, hay DOS esqueletos danzantes representados en la frente que se cree que simbolizan a los protectores del Dharma, los guardianes docentes de Buda.
 Además de los esqueletos danzantes, el cráneo misterioso presenta una criatura parecida a un pájaro en el costado que se cree que representa a Garuda, protector y aquel que conquista a los Nagas, alias demonios, que se atreven a desafiar.
 Según los expertos, el lado izquierdo del enigmático cráneo representa a Vajra Pani, un protector amoroso iracundo. La parte superior del cráneo tiene una Cruz Vajra Doble tallada que representa a la Familia de Buda.
 El intrincado cráneo también tiene un símbolo de cuatro cabezas de cabra que emergen de una plataforma de tres escalones en el lado izquierdo.
 Además de las diferentes representaciones del cráneo, también hay tallas en un antiguo sistema de escritura que se cree que se llama "lant'sa".

viernes, 23 de octubre de 2020

Posted by Cultu-Art octubre 23, 2020 in
Una de las grandes ventajas del arte es que puede ser expresado de diversas maneras, no tiene un limite, y depende sobre todo de lo que se desea transmitir, por ello hemos visto todo tipo de expresiones que van desde la fotografía, pasando por imágenes hechas con restos de comida, hasta complejas instalaciones en todo tipo de lugares, donde la idea es sorprender y romper con la rutina.

Con la llegada de las redes sociales, cada vez es más sencillo presenciar proyectos sorprendentes que de otra forma hubiera sido imposible conocer, como en este caso, que estamos ante el autodenominado "primer y más famoso artista de la nieve", quien dedica un día entero a caminar varios kilómetros sobre la nieve para crear enormes obras de arte efímeras.
Arte en la nieve
Simon Beck ha denominado a su técnica como "Snow Art" y se puede decir que prácticamente no tiene competencia, porque nadie en su sano juicio sería capaz de viajar hacia los lugares más fríos y desolados del planeta, sólo con la intención de crear gigantescos murales sobre la nieve, pero además, hacerlos únicamente por medio de sus pisadas y con la plena conciencia de que ese mural desaparecerá en los próximos minutos u horas.

Así trabaja Simon Beck, quien dedica un día entero a caminar sobre la nieve para crear sorprendentes imágenes, algo que inicio como un mero pasatiempo, pero debido al éxito obtenido, ahora es contratado por estudios de cine y agencias publicitarias para que haga murales sobre encargo, algo que disfruta y ha hecho por más de 10 años.
El proceso es bastante complejo, primero debe crear la imagen en computadora a escala, después viaja a zonas donde no haya turistas y pueda encontrar un lugar lo suficientemente plano y grande para crear su obra, ademas de que las condiciones climatológicas deben ser adecuadas, porque una tormenta o viento imprevisto pueden arruinar todo.

Una vez que tiene la imagen y el lugar, se traslada desde la primera hora del día e inicia el trazado de las líneas rectas con la ayuda de una brújula, en estas líneas debe caminar hasta en tres ocasiones para que queden bien marcadas, posteriormente se crean las curvas, y aquí no hay una técnica definida, todo lo hace en base a su instinto y experiencia, siendo la parte más complicada de todas; y finalmente rellena algunas zonas para dar volumen y características especiales al mural.
Como es de imaginar, después de caminar entre 7 y 10 horas, Simon termina exhausto, el equipo que lo acompaña se encarga de tomar las fotografía y después de esto es momento de abandonar el lugar y su obra de arte.

miércoles, 21 de octubre de 2020

Posted by Cultu-Art octubre 21, 2020 in
CONSTRUCCIÓN DE LA TORRE EIFFEL

Su objetivo era convertirla en la insignia del París moderno y para ello debía ser un monumento magestuoso. Su estructura de hierro pudelado (tipo de hierro refinado producido en hornos reverberos hasta conseguir eliminar el carbono y el azufre y poder obtener el hierro forjado) alcanzó los 324 metros de altura y fue diseñada por Gustave Eiffel, Maurice Koechlin y Émile Nouguier para la Exposición Universal de París de 1889, fecha que marcaba el centenario de la Revolución Francesa.
Se publicó un gran concurso en el Boletín Oficial francés, se presentaron alrededor de 107 proyectos, pero la propuesta de Gustave Eiffel (empresario), Maurice Koechlin y Emile Nouguier (ingenieros) y Stephen Sauvestre (arquitecto) era innovadora: estudiar la posibilidad de levantar sobre el Campo de Marte una torre de hierro, con una base cuadrada, con 125 metros de lado y 300 metros de alto".
En un principio su construcción causó el rechazo de los parisinos que no veían con buenos ojos una construcción de hierro que cambiaría la imagen del París tradicional, entonces, para hacer el proyecto más aceptable de cara a la opinión pública, Nouguier y Koechlin solicitaron al arquitecto Stephen Sauvestre que trabajara en la apariencia del proyecto. En un principio, Sauvestre propuso pedestales en las patas recubiertos con mampostería, arcos monumentales para unir las columnas y el primer nivel, grandes salas acristaladas en cada planta, un diseño en forma de bulbo para la cima y otros ornamentos para adornar la estructura en su conjunto. Por último, el proyecto se simplificó, pero se conservaron determinados elementos como los grandes arcos de la base, que ofrecían una mejor resistencia ante el efecto del viento.
Su construcción empezó un 28 de enero de 1887 con la preparación de una base cuadrada de 125 metros sobre un cimiento de hormigón muy profundo, por debajo del nivel del suelo y sobre una capa de grava compacta. El montaje de las patas comenzó un 1 de julio de 1887 y duraría aproximadamente 4 meses, luego se trabajaría la unión de las 4 vigas de la primera planta que duró hasta diciembre del mismo. La primera planta se termina el 1 abril de 1888. El 14 de agosto del mismo año se termina la segunda planta. Luego vendría el tramo final y la colocación de la antena. Su construcción total terminó un 31 de marzo de 1889, en tiempo récord, se hizo en 2 años, 2 meses y 5 días, una hazaña técnica para la época.
Cabe destacar que mientras se iba construyendo, se temía que en cualquier momento pudiera colapsar así que decidieron ponerle más de 2 500 000 remaches, sólo la tercera parte de ellos iban colocados directamente sobre el terreno y casi la mitad de lo que quedaban era de emergencia para reforzarla.

Sobre el terreno trabajaron entre 150 y 300 obreros, dirigidos por un equipo de veteranos en grandes viaductos metálicos. 

Las cifras no mienten: se necesito 18038 piezas metálicas, 5300 diseños de taller, 50 ingenieros y diseñadores, 150 operarios en la fábrica de Levallois-Perret, entre 150 y 300 operarios en la obra, 2 500 000 remaches, 7300 toneladas de hierro, 60 toneladas de pintura, 5 ascensores

En principio, la torre Eiffel estaba diseñada únicamente para la exposición, con la intención de ser desmantelada al cabo de 20 años al finalizar la concesión que se le otorgó a Gustav Eiffel, sin embargo la instalación de una antena de radio en su punto más alto le valió para evitar ser desmantelada. Hoy en día es de propiedad de la ciudad de París.

Antes de haber terminado su construcción, la torre ya estaba en el ojo de la tormenta. Después del rechazo público, en el que también participaron personalidades de la literatura y el arte, la torre supo sobreponerse y disfrutar del éxito merecido. Las polémicas se terminaron por sí solas cuando culminó la construcción. La torre recibió aquella vez dos millones de visitantes durante la exposición de 1889.

Ante el inmenso éxito popular que cosechó, Gustav Eiffel fue condecorado con la Legión de Honor en el grado de Caballero.
Referencias:
https://historia.nationalgeographic.com.es/a/torre-eiffel-construccion-coloso_11345
https://www.toureiffel.paris/es/el-monumento/historia
https://blog.structuralia.com/la-construccion-de-la-torre-eiffel

jueves, 15 de octubre de 2020

Posted by Cultu-Art octubre 15, 2020 in
10 obras de arte en el mundo que apelan a prevenir el calentamiento global

Se dice que la cantidad de "gases de efecto invernadero" como el dióxido de carbono y el metano emitidos por los seres humanos está aumentando en todo el mundo debido al desarrollo de la industria. Según el IPCC del organismo internacional, se estima que la temperatura media de la tierra se elevará hasta 4,8 ° C en 2100 debido principalmente a este gas de efecto invernadero.

Estas obras contienen varios mensajes para ayudar a mantener la ecología y elevar el nivel del mar. Echemos un vistazo a los trabajos candentes de estos artistas aquí.

1. Personas que no pueden creer el calentamiento global (Reino Unido: 2009)
El muralista encubierto Banksy, que trabaja en el Reino Unido, asistió a la Conferencia sobre Cambio Climático de 2009 en Londres. Inmediatamente después de eso, dibujé este mural con el texto "No creo en el calentamiento global " .
La mitad de las letras están sumergidas en el agua del río, y las personas que no pueden creer el calentamiento = eso es lo que es. Se expresa el mensaje.

2.dos manos extendidas desde el río (Italia: 2017)
Lorenzo Quinn, un escultor italiano, expuso esta obra en la Bienal de Venecia 2017, una exposición internacional.
Se dice que los dos brazos que se extienden desde el río expresan que " eventualmente nos volveremos así debido al empeoramiento del cambio climático " .

3.alrededor de 1000 humanos disueltos (Alemania: 2009)
La artista visual brasileña Néle Azevedo ha colocado alrededor de 1000 Melting Men en Jean-Dalmen Markt, una plaza de Berlín. Se dice que el hielo tallado con forma humana se derritió y se desmoronó gradualmente durante 30 minutos, lo que llamó la atención.

4. ballena gigante colocada en el río Sena (Francia: 2015)
Hay una estructura de ballena de unos 30 metros de largo en el río Sena en París, Francia. Fue construido por los interesados ​​el día de las Charlas sobre el Clima (COP21) celebradas en París.
Está creado para impresionar a las ballenas que están en peligro de morir debido al calentamiento y la pesca de ballenas . Por cierto, el modelo es una ballena llamada Bluebell que fue capturada hace 100 años.

5. gente en traje que no hace nada (Reino Unido: 2015)
Una escultura realizada por el escultor británico Jason Decares Taylor en el río Támesis en Londres. Representa a cuatro hombres en traje de negocios a horcajadas sobre un animal enterrado en el agua y sin hacer nada .
Por cierto, hay un edificio del parlamento cerca de esta escultura, y parece que eligió este lugar intencionalmente.

6. Superman derretido (Singapur: 2012)
La escultura derretida por Superman en el Museo de Singapur es una obra de dos diseñadores, Mojoko y Foenander.
El mensaje que quiero transmitir en esta escultura es que "los superhéroes no son superhéroes para siempre. No hay futuro para nosotros en el futuro donde Superman se está derritiendo " .

7. Las personas indiferentes al calentamiento se ahogarán (España: 2014)
Obra del escultor español Isaac Cordal. Representa a personas indiferentes al calentamiento hundiéndose en el agua para que puedan ver el aumento del nivel del mar debido al cambio climático .

8. Oso blanco gigante del Ártico en el río Támesis (Reino Unido: 2009)
Una escultura de un oso ártico construida por el canal de televisión británico "Eden TV" para coincidir con la inauguración de un nuevo programa. Se dice que mide unos 6 metros de largo y pesa alrededor de 1,5 toneladas.
Está diseñado para flotar sobre el río Támesis, quejándose de que el calentamiento ha reducido el número y el hábitat de los osos árticos. Llevó dos meses producirlo y lo hicieron 15 artistas.

9. Delfines hechos de basura en la Bahía de Guanabara (Brasil: 2015)
Río de Janeiro, Brasil, donde se llevaron a cabo los Juegos Olímpicos en 2016, es famoso por la contaminación mortal de la bahía de Guanabara.
Este trabajo fue realizado por un estudiante de la Universidad Federal de Río de Janeiro. Representa a los peces sufriendo por la basura arrojada por los humanos .

10. 600 personas desnudas mirando el glaciar (Suiza: 2007)
Una obra del fotógrafo estadounidense Spencer Tunic que sublima en arte a una gran cantidad de personas desnudas. Se dice que unas 600 personas participaron en el tiroteo en una campaña realizada por el grupo internacional de protección ambiental "Paz Verde" para difundir la conciencia sobre el calentamiento.

Posted by Cultu-Art octubre 15, 2020 in
Desarrollado por el arquitecto alemán Jürgen Mayer con la colaboración de Arup, el proyecto Metropol Parasol consiste en seis grandes parasoles que proporcionan sombra a la plaza, al tiempo que ofrecen protección a los restos arqueológicos de esa zona. La estructura de estos parasoles está hecha en madera y mide unos 150m de largo, 75m de ancho y 28m de alto dispuestos en una retícula ortogonal de 1,50m a 1,50m.
Las Setas de Sevilla, también conocidas como el proyecto Metropol Parasol del arquitecto Jürgen Mayer, constituyen la estructura de madera más grande del mundo y su construcción se llevó a cabo con la finalidad de renovar la Plaza de la Encarnación de la ciudad de Sevilla.

Este diseño se compone de cuatro niveles permeables y entrelazados de forma continua. El subsuelo posee una plataforma de visita con restos arqueológicos encontrados en los cimientos que, temporalmente, detuvieron temporalmente el proyecto, desarrollado por Mayer junto con la compañía especializada en diseño, ingeniería y consultoría de negocios Arup .
Estructura de cuatro niveles
El primer nivel, contiene una plaza peatonal cubierta y un mercado de 2.155m² de superficie con capacidad para varios puestos de venta. En el segundo, se ubica una plaza de 3.000m² elevada a cinco metros sobre el mercado, destinada a convertirse en foro urbano para actuaciones y espectáculos. Por su parte, en el tercer nivel se halla un restaurante con capacidad para 300 personas y, por último, en el cuarto nivel se ha habilitado un balcón panorámico de libre acceso a través de una pasarela que serpentea encima de los parasoles con vistas a todo el casco antiguo de Sevilla.
Los parasoles en forma fúngica y con una trama que se asemeja a los píxeles, enmarcan toda una estructura que no está tipológicamente definida, generando un continuo juego de sombras cambiantes a lo largo del día.
Arup llevó a cabo diversas investigaciones experimentales, estudiando numerosas geometrías estructurales complejas para comprobar la viabilidad de dicha estructura en materiales como acero, hormigón o plástico. Finalmente, optó por desarrollar la estructura en madera micro-laminada (Kerto) protegida de la intemperie por un concepto desarrollado por los arquitectos que se basa en un recubrimiento de poliuretano impermeable.




martes, 13 de octubre de 2020

Posted by Cultu-Art octubre 13, 2020 in
Persea de 165 años de edad, preparada para su trasplante en Japón 

Cuando en Japón un árbol se encuentra en el camino trazado de una obra civil de construcción o nueva carretera no se escatiman medios, recursos y labores a la hora de realizar los trasplantes de los árboles como es debido para asegurar su supervivencia en su nueva ubicación.

Es una cuestión cultural, donde los árboles, su vida y su longevidad son profundamente respetados .

lunes, 12 de octubre de 2020

Posted by Cultu-Art octubre 12, 2020 in
En la actualidad, los sistemas económicos y políticos del mundo están centrados en la producción y renta. Así que la gente común posee la tendencia de visualizar como único recurso de fortuna el dinero, el oro y las piedras preciosas. Los templos financieros y los grandes emporio son los más apreciados y admirados. Al igual que son protegidos con lo mejor de la tecnología.

Sin embargo, es necesario reflexionar sobre el valor de objetos, muy valiosos y en muchos casos bastante raros. Objetos que han cambiando el mundo para bien o para mal. Que son únicos he irrepetibles. Y forman la bitácora de vuelo de esta nave bioquímica que es el planeta tierra.

¿A qué nos referimos?, a los libros y sus santuarios, ya no tan visitados como son las bibliotecas. Estos lugares que albergan la sabiduría, los valores y fantasías, que la humanidad a generado hasta el día de hoy. 

Es inevitable no llenarse de pesar al recordar tragedias culturales que han significado etapas oscuras de ciencia y conocimiento, como lo fue la biblioteca de Alejandría y el Museion, los cuales han contribuido a distanciar a la ciencia de corrientes específicas de pensamiento como la religión y la política, y sobre todo, a demostrar que la investigación académica puede contribuir a los problemas prácticos y a las necesidades materiales de las sociedades y los gobiernos.

Es por esta razón que podemos concluir si realmente los tesoros del mundo se encuentran en los centros financieros o las bóvedas bancarias.
Les invitamos a un paseo, por las más hermosa bibliotecas del mundo.

 

Video por Arttra.com



martes, 6 de octubre de 2020

Posted by Cultu-Art octubre 06, 2020 in
Parte del grupo escultórico DEL MONUMENTO A LOS NIÑOS DE LIDICE, es el símbolo de los horrores de los enfrentamientos bélicos. Su autora, la escultora checa MARIE UCHYTILOVÁ, a quien conmovió profundamente el destino que sufrieron los menores de ese pueblo situado cerca de Praga, en 1969 lo concibio como un homenaje a todas las víctimas infantiles de la Segunda Guerra Mundial. Durante más de 20 años esculpió estas emotivas figuras, pero murió antes de poder completar su obra. Afortunadamente, otros artistas locales lograron terminarla.
¿QUÉ OCURRIÓ EN LIDICE?

Al igual que todas las guerras, la Segunda Guerra Mundia fue una masacre sin sentido. Entre 50 y 85 millones de personas perdieron la vida en este terrible y despiadado episodio que tristemente se convirtió en el conflicto más mortal de la historia de la humanidad.

En 1942, el alto oficial nazi, Reinhard Heydrich fue atacado por un pequeño comando checoslovaco a las afueras de Praga. El comando había sido entrenado por los británicos que idearon un sencillísimo plan para su asesinato: tirar una granada dentro de su coche oficial mientras circulaba.

Heydrich no murió en el atentado, pero las heridas provocadas acabarían con él una semana más tarde. Moría así el Verdugo, el Carnicero de Praga, la Bestia Rubia, el Hombre del corazón de hierro… En definitiva, uno de los principales arquitectos del Holocausto, jefe de la inteligencia y el mayor organizador de la represión nazi en Europa.
La inteligencia nazi vinculó falsamente el atentado con Lídice y, en venganza, arrasó el lugar.

Todos los hombres y adolescentes mayores de 16 años, fueron detenidos y llevados a las afueras donde fueron ejecutados de diez en diez. Situados en fila, eran fusilados usando una única bala. Si el último libraba el impacto, era ejecutado de un tiro en la cabeza. Todo para ahorrar munición.

173 hombres y adolescentes murieron aquel día.Las mujeres y niños fueron enviados a campos de concentración y más de 184 mujeres fueron separadas de sus hijos y sometidas a trabajos forzados en favor del régimen.

Los niños fueron examinados para determinar cuáles podían ser germanizados. De los 105 menores, sólo 17 fueron encontrados puros y dados en adopción a militares de alto rango del partido nazi. El resto -82 bebés, niños y preadolescentes- fueron gaseados y enterrados en una fosa común.

Tras la guerra, 153 mujeres supervivientes y los 17 niños supervivientes pudieron regresar y reconstruir Lídice.En memoria de aquellos 82 niños y tantos otros menores muertos por la guerra, el pueblo alzó un gran monumento.


jueves, 1 de octubre de 2020

Posted by Cultu-Art octubre 01, 2020 in
(Robert Louis Fosse; Chicago, 1927 - Washington, 1987) Bailarín, coreógrafo, actor y director de cine estadounidense. Destacó en la realización de películas musicales, entre la que figuran Cabaret (1972), Lenny (1974) y All That Jazz (1979).

Bob Fosse fue uno de los grandes coreógrafos de la historia del cine y de la comedia musical de Broadway. Debutó en el teatro como bailarín y coreógrafo y actuó también en algunas películas Tras una exitosa carrera con Stanley Donen y con sus propias obras teatrales, dio el salto a la dirección cinematográfica con Noches en la ciudad (Sweet Charity, 1969), basada en la adaptación que Neil Simon hizo de Las noches de Cabiria (Le notte di Cabiria, 1957) de Federico Fellini.

Liza Minnelli y Bob Fosse en el rodaje de Cabaret (1972)

En 1972 estrenó el célebre musical Cabaret, con el que ganó el Oscar al mejor director y demostró su magistral talento para crear números musicales. Con este filme dio un nuevo aunque efímero impulso al género, superando la ingenuidad que lo había caracterizado en décadas anteriores y adentrándolo hacia su mayoría de edad al tratar temas hasta entonces impensables, como el erotismo o el nazismo. Incluyendo el Oscar al mejor director, la cinta mereció un total de ocho estatuillas, entre ellas la de mejor actriz protagonista, que recibió la espléndida Liza Minnelli.

Tras la maldita y excelente Lenny (1975), lúcida biografía del cómico Lenny Bruce (interpretado por Dustin Hoffman), Bob Fosse dirigió Empieza el espectáculo (All That Jazz, 1979), una especie de autobiografía en la que analiza la figura de un coreógrafo obsesionado con la muerte. Fosse se despidió del cine con un gran fracaso crítico-comercial, Star 80 (1983), acerca de la trágica muerte de una de las más famosas chicas Playboy, Dorothy Stratten. 
Una vez más Fosse utilizó códigos del documental para explorar el mundo de las modelos y la vida nocturna de los 70. Los personajes centrales fueron encarnados por Mariel Hemingway y Eric Roberts (en el papel que estuvo a punto de encarnar Richard Gere, luego protagonista de la versión fílmica de Chicago). El filme no logró la acogida de sus películas anteriores.

Fosse ya no volvería a dirigir cine, aunque sí realizó algunas otras puestas en un Broadway donde toda la atención aparecía ya centrada en Andrew Lloyd Weber y sus megaéxitos. Durante la gira de reposición de Sweet Charity, en 1987, Fosse cumplió su profecía de All That Jazz y lamentablemente murió de un paro cardíaco.
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